Riceviam
o dallo scrittore Franco Esposito di Stresa, direttore della rivista culturale “Microprovincia”, questo ricordo dell’amico e artista Giuliano Crivelli, scomparso di recente, come riportato sul blog PQlaScintilla
https://pqlascintilla.wordpress.com/2021/01/11/e-morto-giuliano-crivelli-artista-ossolano
Preso da altri impegni culturali, confesso con una punta di amarezza di aver trascurato il mondo dell’arte, in modo particolare della pittura. Dei nostri artisti ho comunque seguito in silenzio, con discrezione, soltanto i migliori. Tra questi, in modo particolare per la bravura e la non comune personalità, l’amico Giuliano Crivelli.
In un tempo di tristezza, di sofferenza e di confusione come quello che stiamo vivendo, la notizia della sua scomparsa mi è giunta in lieve ritardo dagli amici di Domodossola.
La pittura, o forse meglio l’arte di Crivelli, mi ha sempre affascinato, fin dai lontani anni Settanta. Ho sempre sostenuto che fosse il più preparato e ne sono convinto ancora oggi: il pittore più rappresentativo non solo per la sua presenza nella nostra provincia, ma anche per la bravura con cui ha saputo oltrepassare i confini geografici, per sbarcare persino a New York e a Detroit con la sua splendida serie di ritratti dei più grandi sassofonisti jazz. Per anni sono andato a trovarlo nella sua Trontano e ho sempre trovato il solito Giuliano Crivelli, amico carissimo e lavoratore infaticabile, perseverante più che mai nel suo mestiere ed eccezionale esperto di ogni tecnica pittorica. Affascinante acquarellista, colorista insuperabile, illustratore e incisore essenziale, sicuro nei tratti, efficace.
Insomma era una gioia trascorrere un pomeriggio nel suo studio, osservando le sue ultime opere. E non meno importante discorrere con lui di pittura e di musica.
Tutto questo per lanciare un messaggio ai più giovani: per diventare artisti non basta scarabocchiare su tele o su fogli, ci vuole soprattutto cultura, che si acquista leggendo, osservando, discutendo. E poi, ancora la predisposizione ad accettare i ritmi di una disciplina severa e continua, la stessa che poi consentirà di realizzare le proprie idee con rigore e perseveranza. Questo insegnava l’utopia di Crivelli e questo esige la pittura, come ogni lavoro artistico, affinché si possa raggiungere qualcosa di valido, di originale.
Ancora oggi, a distanza di quasi cinquant’anni, se qualcuno mi chiedesse di classificare Giuliano Crivelli, non saprei cosa rispondere. A mio parere è sempre stato “al di fuori del coro” per le sue talentuose e intrinseche qualità. Ad ogni visita mi sorprendeva, sia con la sua quasi innata immediatezza tecnica, sia con le scale cromatiche, capace di spaziare in campi che ti lasciavano senza parole.
Proprio in questo, in questo lasciare senza parole, penso che si nasconde la grandezza dell’amico Giuliano Crivelli.
Addio Giuliano, un altro grande amico che ci lascia.
Franco Esposito
F. Esposito e G. Crivelli
Altre notizie su Giuliano Crivelli pubblicate dal blog
https://pqlascintilla.wordpress.com/2018/12/16/rime-colorate-di-giuliano-crivelli
https://pqlascintilla.wordpress.com/2017/11/26/mostra-a-domodossola-e-volume-di-giuliano-crivelli
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, padrone del disegno, delle tecniche gestuali e cromatiche (dopo il diploma di geometra, ha frequentato a Milano la “Scuola di Fumetto” in via Savona e al Castello Sforzesco la “Scuola di Arte e Messaggio”), è stato il primo pittore ossolano - e allora era giovane - ad accorgersi che il mondo delle arti visive stava cambiando rapidamente, “contaminato” dai nuovi mezzi di comunicazione e di fruizione delle opere.![IMG_E0887[1]](http://pqlascintilla.files.wordpress.com/2019/07/img_e08871.jpg)
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in via Marconi 30, alcuni quadri di 
Ossola per la pittura, mai forse come in quel periodo vi è stata tanta attenzione per le mostre personali e collettive. Questo sicuramente anche grazie al considerevole impegno che Carlo Bossone ha dedicato negli anni della sua vita per far crescere artisticamente una schiera di allievi, tanto da essere considerato un capostipite. Tra costoro, sicuramente uno dei più capaci nella distribuzione del colore sulla tela, c’è stato pure suo figlio Giovanni, morto prematuramente nel 1985, il più “bossoniano”, non solo perché legato da vincoli familiari. Giovanni Bossone, pittore nel senso più conservatore del termine, ebbe un’intensa attività espositiva, fino a raggiungere nei suoi periodi migliori una decina di personali all’anno, in varie regioni d’Italia e all’estero (espose anche a Buenos Aires in Argentina), sponsorizzato dal cugino Giuseppe. In occasione di una sua mostra a Roma nel 1972, la ‘Cine Luce’ girò un ‘reportage’, che fu poi proiettato in tutte le sale cinematografiche prima dell’inizio dei film.
… Subito, fin dal titolo, si avverte il desiderio dell’uomo di uscire dallo sfacelo in cui viviamo, per un viaggio che <<conduce altrove/ tra le città di grigio giorno/ dove non profumano/ l’alloro e la zagara/ e le valli dove si adagia la luce/ respiro il muto verde>>. In Federico, c’è, quindi, la necessità di raccogliere e di raccontare “la vita” con le ali delle parole, sempre con un filo di speranza, un’ansia di rinnovamento sociale e umano: “dove l’uomo condivide il suo pane”, mentre il povero bussa “alla nostra coscienza vischiosa”; e una ricerca di grazia mistica, perchè “l’intelletto s’arrende/ al mistero della vita”. L’autore, insomma, è sempre teso a quei valori morali ed esistenziali che ci permettono di vivere un destino felice, anche se oggi è quasi impossibile per chi ha perso o non trova lavoro, che “già non dorme/ ed è sul baratro dei giovanili abissi/ a pochi passi dal nulla” …
Avverte, quindi, lo sbandamento delle coscienze, lo sfacelo morale, l’apatia e l’indifferenza, il pericolo di sprofondare e diventare massa amorfa e lo supera con un’assidua partecipazione alla vita e ai suoi problemi: “Trasportiamo / pesi di piombo e sorrisi da robot / il dare e l’avere / viaggiano su rotaie / di stagioni discutibili / improvvisi / i tuoi abbracci / mi trovano disorientato / in una città di sangue”. Lo spunto, come si vede, della sua poesia viene dalla cronaca e dalla riflessione, dalla realtà affrontata con convinzione sincera in quella “piccola luce” che brilla nel segreto di ogni uomo e che lo conduce al richiamo della sua problematica e della sua esistenza … Nei suoi versi Federico, con lucida razionalità descrive la società contemporanea, computerizzata (“… non riesco a codificare / con freddi computers / questa instabile voglia di vivere”), accecata dai miti dell’avere (“avvoltoi e sciacalli / ordiscono profitti”), dalla violenza (“uomini dormono assassinati / alla scuola dell’omertà”), dall’imperialismo (“qualcuno ha piantato missili / tra i prati di papaveri”) e dalla tracotanza del potere che predica “promesse di fumo / in uffici di potenti”, che lascia “i giovani delusi / ad ammuffire come rifiuti” e che mercanteggia “strani compromessi / e ideali svenduti”…
Anche perché, accanto agli uccelli migranti, al mondo dei fiori, dei campi di grano, c’è la ricchezza di abitazioni immaginate o di un paesaggio tra le spighe arse dal sole, popolato di suoni di campane o trafitto dai canti di grilli e cicale, mentre lassù nel cielo <la luna argentea più delle stelle>. Il tutto, in questo senso, restituisce una percezione delle cose e degli esseri viventi che convivono nel pianeta, perché l’uomo non esiste solo, la sua permanenza, però, a differenza degli animali, è legata alla “coscienza” della morte, per far posto a chi sboccia alla vita, ma che secondo Adriana <restituisce la speranza dell’Eterno>. <<D’altronde>> scrive nella prefazione Nazario Pardini, <<l’idea della morte è quella che fa di noi degli esseri viventi, unici, a soffrirne, in quanto di fronte al nulla e al sempre la nostra mente si perde, si sente a disagio, fino a patirne la splenetica meditazione>>. Siamo, insomma, legati al tempo: <<…Così il murmure del tempo ninna/ il gorgoglio dei pensieri/ le emozioni che stridono ferite/ blandisce la paura di essere, di esserci/ il timore di non esserci>>.
fondamentali per la sua narrazione. Di sicuro, lo hanno affascinato soprattutto i romanzi di Piero Chiara, molti dei quali ambientati proprio in quei paesaggi lacustri, in cui ha vissuto da giovane. Naturale, che in seguito, approfondita la conoscenza letteraria, il suo modo di raccontare si è fatto impegnato, tenuto sul filo dell’essenzialità, con ritmo fluente e di respiro intenso, raggiungendo un senso dell’eleganza che incide sulla bellezza dei diversi “quadri”, con cui l’autore coglie la condizione umana. Certamente, nel susseguirsi di ricordi e avventure, di gioie, sofferenze e dolori, nello scorrere della vita, di ieri e di oggi, coesisteranno, con quelli di fantasia, pure spunti autobiografici, altri di cui ha testimonianza perché gli sono capitati sotto gli occhi o per sentito dire o perché appresi dagli anziani che li hanno salvati dalla deriva del tempo.
sua prosa, con i personaggi e gli ambienti, in cui è nato, ha trascorso l’infanzia e la giovinezza e in cui ancora torna spesso, nonostante che lavori da anni a Torino. Questi luoghi sono dislocati per lo più nel Verbano Cusio e Ossola, nella terra novarese o altrove, comunque, all’interno del Piemonte, dove Travaglini, nel frattempo, è considerato uno dei protagonisti della letteratura della nostra regione che ormai, scomparso Sebastiano Vassalli, non annovera più grandi scrittori viventi, se si esclude l’ossolano Benito Mazzi (oggi il più noto a livello nazionale) e pochi altri. In questo panorama, Marco coglie, combinando realtà e fantasia, l’avventura umana della sua gente, in cui si caratterizza la gestualità popolare, che gli fa narrare di vicende, episodi, fatti - che si estendono da una pubblicazione all’altra in canovacci ben costruiti e coinvolgenti - fino a rievocare l’eco di un mondo contadino, lacustre, alpino, che poi da rurale è stato trasformato in aree industrializzate e in seguito in bacini turistici. Quindi, oltre che di un mondo agreste precedente, Travaglini accenna anche alle fabbriche, all’inquinamento lacustre e alle vacanze trascorse sul lago dai villeggianti che vengono da fuori.
ordinaria, dove le persone dall’umanità semplice “amano, soffrono, frequentano le osterie e si sostengono le une con le altre”. Sono esse (come annotavo nell’introduzione di una mia raccolta di liriche giovanili, intitolata “Quotìdome”, termine che avevo coniato dalla fusione di quotidiano e domestico) a rappresentare coloro che, vivendo dietro le quinte, non avranno mai il diritto a una comparsa sul palcoscenico della vita, perché la storia registra unicamente i grandi personaggi della terra.
preparazione tecnica e di abilità>>, mi disse in un’intervista anni fa (pubblicata sulla rivista ControCorrente) e aggiungeva con una punta di stizza, <<mi faceva copiare dal vero soggetti che preparava per sé, nature morte, ritratti di signore. Ricordo ancora con odio un cartoccio di castagne arrostite rovesciate sul tavolo di cui non mi importava proprio nulla…>>. L’esasperazione di questo metodo d’insegnamento la porta a una crisi profonda, superata dopo l’incontro con lo scultore Lorenzo Pepe che la prepara per l’ammissione all’Accademia di Brera: <<Pepe mi insegnò a operare senza mai perdere di vista l’insieme: abbozzando, dovevo disegnare subito la gran massa geometrica in cui era compresa la figura, anche entrando nei particolari, non distogliendo mai l’occhio dal tutto. Scopersi, così, l’armonia e il legame dei vari punti tra loro, della realtà che copiavo e da cui sgorgava un mistero, un fascino che mi accompagnò sempre, mentre prima coglievo solo il divertimento nel riprodurre immagini>>.
Cultura Italiana di Vienna: “Quel suo modo stupido di guardare alle persone e alle cose lo si ritrova in un certo idealismo neoclassico dei suoi quadri e non va disgiunto dal suo incantamento per le luci e i colori”. Le mostre si susseguono a Verona, a Venezia, a Milano e in altre città italiane e straniere. A metà degli anni Ottanta le Edizione d’Arte Ghelfi di Verona nei quaderni “Artisti italiani oggi” pubblica una cartella con introduzione di Liana Bortolon, che definisce i personaggi della Mazot come delineati “a colpi di sgorbia”. E in effetti le sue figure, studiate sul modello e poi emergenti a memoria, attraverso un tratto vigoroso, narrano fatti di vita e di morte, di guerre e di amori, con una espressiva carica creativa, dalla linea scabra, quasi scultorea. Nel 1997 dà alle stampe un importante volume di calciatori e ritratti con presentazione di Mario De Micheli. Sue opere sono apparse sulle copertine di alcune riviste e sul libro <<Ribelli non si nasce>> dello scrittore Francis Sgambelluri. Negli ultimi anni, è stata un po’ “rintanata”, come sosteneva lei, anche se, nel 2001, ha esposto a Milano contemporaneamente alla Libreria dell’Angolo e al Nuovo Aleph e poi ha allestito una mostra allo Studio XRAY, in zona Loreto.
Le qualità pittoriche e la raffinatezza di Carola Mazot, come abbiamo visto, affondano le radici nell’ambiente artistico familiare e nel considerevole apprendistato giovanile. Ella dipingeva di getto, veloce, sicura e senza ripensamenti; non si è fermata allo stile del nonno, ma neppure ha ceduto alle tentazioni avanguardistiche; si è aperta una propria strada, secondo le personali doti istintive, fatta di sintesi disegnativa: un segno rapido e impetuoso, quasi a scatti improvvisi, che sa cogliere cose e figure con spontaneità, come ha scritto Dino Villani: <<Una pittura la sua, dall’impostazione virile addolcita dal sentimento, che si attiene alla sostanza espressiva, ma che lascia tuttavia largo spazio ai trasporti poetici di un animo sensibile e delicato dalla personalità singolare>>.
palpitante spessore. Dopo
quel periodo, che lo ha impegnato per una decina d’anni, 
e alla speranza. Agli occhi di chi le ammira, a seconda
anche del punto tridimensionale di osservazione, suscitano profonde riflessioni
mistiche, umane, sociali. Con questi “manufatti” d’arte, in cui è stata creata
la sensazione del volo, la giusta apertura alare e gli equilibri formali necessari,
Panozzo vuole sensibilizzare al rispetto per l’ambiente che ci circonda e
dimostrare quante meraviglie esistono ancora, senza che ci si allontani troppo
da casa, osservando questi visitatori comuni di prati, parchi e giardini di
ogni dove, che volteggiano leggeri e liberi tra i fiori selvatici o coltivati, di
prati e giardini.
trasformazione, per richiamare l’essere umano a quella libertà a
cui aspira. In quel soffio vitale si percepisce il simbolo di una gioiosa
rinascita, di un festoso rinnovamento, in particolare, per il brillio delle
loro preziose cromie, che esprimono allegoricamente una felice positività, nel
prosieguo cosmico della vita. Se poi sulle loro ali appaiono pentagrammi e note,
subito una musica serena avvolge i nostri animi di sacrale celestialità; o ancora,
se vi sono le impronte, le tracce o i tagli, i segni arcani e primordiali di
civiltà antiche o moderne, personali di Moreno fin dai suoi inizi scultorei e
pittorici, si rimane incantati dalla sorta di spiritualità laica che emanano:
un pathos universale che urge nel suo cuore e si manifesta nell’energia
creativa delle sue farfalle.
vignette sui
modi di dire vigezzini, alcune delle quali risalenti a una decina di anni fa.
personaggi originali (Mino, Tirkjus, Funigiak, Tunnel,
Cavalier Verdura, a cui poi se ne sono aggiunti altri) e con la prefazione di Benito
Mazzi. Ha, inoltre, collaborato alla rivista Pucianiga di Domodossola,
presentata all’Euro Festival del fumetto di Grenoble ed ha partecipato ad
alcune edizioni del Salone Internazionale dell’umorismo di Bordighera (IM).
Diverse sue strisce sono apparse, in periodi diversi, su Eco Risveglio e su
altri settimanali del VCO. Nel 1995 ha pubblicato “Le vignette di Gim” e nel 1997 ha illustrato
il volumetto del giornalista, Antonio Ciurleo: “Strafalcioni sui binari,
doppi sensi e disavventure di ferrovieri FS”. Nell’estate del 2000, Gim ha
preso parte allo HUMORfest di Foligno (vignetta a tema fisso sul Giubileo).
Architetto, più volte sindaco e amministratore di Villette, ha pubblicato una
decina di monografie di tipo storico, tecnico e saggistico.
Al telefono, conversando con Luigi Papanice del suo libro di racconti, <Memorie de “Il Falco”>, fresco di stampa, dice: <<Durante il periodo di “confinamento”, parlando della nostra gioventù con un mio coetaneo, che ha già pubblicato alcuni romanzi, sono venuti a galla diversi episodi intriganti e spassosi della sua vita e gli ho chiesto il permesso di raccoglierli in un libro>>. E glielo ha concesso? <<Certo, mutando i nomi dei protagonisti e utilizzando il suo pseudonimo in copertina e all’interno nominarlo come “autore”. Il libro l’ho scritto in terza persona>>. E dove sono ambientati le storie? <<Parecchie in Valle Vigezzo, altre nel milanese, qualcuna in luoghi diversi. Ma in questa raccolta c’è solo la prima parte, ne seguirà una seconda l’anno prossimo>>.
Quindi i fatti rievocati, in queste “memorie”, risultano autobiografici, narrati con ironica leggerezza, ma con profondità e prosa scorrevole. Si scopre, così, che il piccolo Luigi (“l’autore”!) era già arguto da ragazzo, con un carattere “peperino” (“un po’ turbolento” sostiene lui) e proprio per questo, durante le medie, è mandato dai genitori a studiare in Collegio. Da lì la memoria gli riporta tutta una serie di vicende vivaci, alcune anche buffe, accadutegli nell’infanzia, a casa, a scuola, durante le vacanze al mare o tra le nostre montagne, fino alla maggiore età, che a quei tempi si raggiungeva a 21 anni.
combinando l’astrazione con l’immagine reale, in una sorta d’immersione negli strati pastosi e caldi della materia cromatica. Ha esposto in collettive e allestito mostre personali a Masera, S. Maria Maggiore, Stresa, Domodossola, Brissago (CH) e in altre località. Tiene corsi per bambini nel suo Atelier “Closlieu” a Masera, che da un anno è chiuso a causa del lockdown. <<La situazione attuale di restrizione covid>> ci informa la pittrice, <<ha ostacolato la continuità del progetto e sono stata costretta a sospendere le lezioni, a cui spero di ridare vita, considerata la loro importanza. Infatti nonostante tutto, ho avuto delle sollecitazioni per proseguire e sviluppare dei progetti, ma per ora non so se sarà possibile>>.
<<L’atelier l’ho aperto nel 2013 con l’aiuto di Alessandro Giozza. È stato necessario, però, da parte nostra fare un corso di formazione a Mendrisio, tenuto dall’ideatore Arno Stern, in cui abbiamo ricevuto la certificazione che ci ha abilitati alla creazione del “Closlieu”. Quell’esperienza è stata determinante per comprendere che ai bambini non serve fare arte o insegnare l’arte, perché, se l’adulto non interferisce, essi disegnano per il loro piacere, creando sulla carta, con modalità molto simili a quelle del gioco, veri e propri mondi a loro misura. Questo metodo li rafforza e li rassicura. Il laboratorio l’abbiamo portato avanti con entusiasmo e fatica in tutti questi anni, collaborando in progetti con scuole e corsi privati. Sarebbe un peccato non poterlo più riaprire>>.
Le decise pennellate, inferte dalla pittrice come colpi di bisturi, creano un vortice-spirale attorno a questo protagonista della natura che, simile ad un uomo disperato in una cruda solitudine, sembra abbracciarsi al suolo con mani-appigli. Le sue radici, viste ai “raggi x”, ci appaiono pure come una bocca avida che si aggrappa alla collina infuocata su cui sorge, come ad una mammella, per “succhiare” un possibile nutrimento. Questa forma tra il vegetale e l’umano, che tende angosciosamente in alto i suoi rami, simili a braccia gotiche al cielo, va al di là del significato della “pianta”, per ritrovare il sentimento e il mito di un mondo misterioso, in un’atmosfera di rapida apprensione e di ben espresso ermetismo. La “visione” di Ornella Pelfini ha, quindi, qualcosa che richiama al simbolismo e alla metafora.
Prima di conoscerti non avevo mai sentito parlare di te, e quando ti vidi per la prima volta pensai che non dovevi essere tu la persona che, stando a quanto mi avevano detto, stava scrivendo un libro sulla Resistenza. Forse non ricordi il nostro primo incontro, lassù, nella tua Cimamulera che hai descritto con tanto amore anche nel tuo testo. Stavi tornando dai campi e avevi appena finito di lavorare. Presentandomi ti dissi che avevo bisogno del tuo aiuto per svolgere un tema di carattere storico. Fu quando mi leggesti un brano del tuo manoscritto che cominciai a metterti veramente a fuoco e ad interessarmi del lavoro che avevi appena iniziato ma che già prometteva bene. Decisi di aiutarti non solo perché il tuo scritto suscitò il mio interesse e il mio entusiasmo, ma anche perché conoscendoti meglio mi resi conto che tu, inconsciamente, avresti potuto fare molto per aiutarmi a crescere, a maturare, a responsabilizzarmi, proprio mettendomi di fronte ad un lavoro che mi avrebbe fatta sentire utile a qualcuno e a qualcosa.
“Premurosa verso di noi come una madre lo è per il proprio figlio, aveva accettato la morte piuttosto che tradirci… Senza il suo aiuto non avremmo mai potuto vincere… Anch’essa, senza che nemmeno se ne rendesse conto, fu una combattente per la libertà d’Italia al pari di noi, e talvolta più ancora di noi che almeno avevamo un’arma per difenderci ed attaccare…”. Sono parole tue Bruno, e credo dicano tutto. Basterebbero queste frasi per far capire ai lettori quanto è grande l’affetto che hai per i valligiani, per i contadini, per la gente umile e semplice. Sono abbastanza anche per far loro capire che tu sei come quella gente, e che come lei hai un cuore grande così…
Nel libro è narrata la nuova avventura del commissario Ascanio Greco che, trasferito a Domodossola, non ha neppure il tempo di ambientarsi e subito si trova alle prese con il ritrovamento del corpo senza vita di uno stimato professore di un liceo della città. Sembra non avere nemici, l’insegnate, quindi i sospetti ricadono sulla nuova giovane moglie francese, il cui passato è sconosciuto. Ben presto, però, le indagini del commissario si allargano ad altri sospettati, che in qualche modo sono legati alla vita del professore. Passano i giorni, ma diventa sempre più difficile risolvere il caso, quando un nuovo e inatteso indizio porta la vicenda a un finale inaspettato, in un crescendo che attanaglia il lettore. Il tutto è narrato con prosa stringata, coinvolgente e scorrevole.
Formatosi nelle sperimentazioni culturali e sociali degli anni Sessanta e Settanta, le sue ricerche artistiche spaziano tra pittura, scultura, fotografia, design, grafica ed elaborazioni al computer. Ha vissuto per venticinque anni in un voluto isolamento a Chezzo di Montecrestese, in Val d’Ossola, dove ha realizzato un suo progetto-modello di “città ideale”. Tornato da tempo a Milano, condivide le sue esperienze con gli allievi di un laboratorio artistico della città.
sono state esposte in diverse mostre. Tempo fa, mi confidò che l’idea gli era stata ispirata, in particolare, dalla lettura dell’opera di Giordano Bruno, filosofo vissuto nella seconda metà del Cinquecento, uno dei personaggi più significativi di quel periodo, il Manierismo, che per troppi versi è simile al nostro. Approfondendo Bruno e il suo tempo, è giunto a scoprire i cosiddetti teatri di memoria e poi i linguaggi universali, le enciclopedizzazioni del sapere, da cui ha tratto molti spunti per il suo lavoro. Una ricerca, comunque, tutta propria – tra pittura, fotografia, design, scultura – che potrebbe dar origine, secondo i suoi intendimenti, al progetto di una città, di certo irrealizzabile oggi, ma che in un futuro, probabilmente ancora lontano, potrebbe soddisfare quelle esigenze e quei nuovi rapporti sociali – di comunicazione e di servizio – tanto auspicati dalle nuove generazioni. 
Fausto Pagliano nasce a Genova nel 1942. Subito dopo la famiglia (il padre è ispettore di dogana), si trasferisce a Domodossola. A nove anni, nel capoluogo ossolano, frequenta la scuola di pittura del maestro Nino di Salvatore, dimostrando una naturale abilità nel disegno. I genitori, spronati da questa passione del figlio, lo portano spesso con loro a visitare musei e gallerie in ogni parte d’Italia, tant’è che il ragazzo matura ben presto la decisione, mai più messa in discussione, di fare il pittore. Conseguita la maturità classica a Domodossola, s’iscrive all’Università Statale di Milano, sia ad architettura che a filosofia, ma come aggiunge lui: <<Con esiti che non andarono oltre un discontinuo interesse per la prima e una costante, ma insufficiente attenzione, per la seconda>>. Terminato il militare, lascia l’Ossola, per risiedere a Milano, dove si sposa con una stilista di moda, dedicandosi all’arte e collaborando anche nell’attività della moglie. Sono anni economicamente floridi che gli permettono di accogliere, nella propria ampia abitazione, amici e conoscenti, appartenenti ai più svariati movimenti o gruppi politici del tempo (siamo nel pieno del ’68). La sua maturazione artistica, infatti, deve molto alla partecipazione, sempre più convinta, a quel fermento di idee e di speranze: <<Credo - dice - che tutto ciò che faccio e penso oggi costituisca un naturale sviluppo, rispetto alle intuizioni e alle sperimentazioni socio-culturali degli anni Settanta>>. In seguito, parte per un lungo viaggio in Oriente che durerà un paio d’anni e, al ritorno, va a vivere nell’entroterra toscano. Qui il suo matrimonio si esaurisce e nel 1975 Pagliano torna nel capoluogo lombardo, dedicandosi, oltre la pittura, anche alla grafica e alla fotografia.
parecchi giorni e lo costrinsero a una lunga degenza in ospedale. Nasce così il suo bisogno d’isolamento, per iniziare nuove esperienze artistiche, al di fuori della politica. Questa necessità lo ha portato, nel 1990, a trasferirsi a Chezzo di Montecrestese, in Val d’Ossola, dove ha terminato l’opera “La città ideale”, di cui ho parlato all’inizio e che ha esposto in alcune occasioni. Si nota osservando il lavoro di Pagliano - per certi versi concettuale, in cui, comunque, la manualità ha ancora una propria importanza - che egli costruisce la sua città multiculturale e multietnica, con dimensioni nuove che stimolano memorie e sentimenti, con spazi e architetture più biologiche che oggettuali: ne sorgono costruzioni cariche di un paesaggio metropolitano interiorizzato, dove si mescolano e si confondono le tracce delle atmosfere urbane e i segni delle emozioni individuali.
Per la pittura di Mengjie Huang la creazione della forma è fondamentale. La forma assorbe anche i nodi. Le pennellate devono seguire la struttura scelta ponderatamente. La forma riflette il mondo spirituale di un artista e il suo immaginario. Il ritmo dell'inchiostro orientale si confronta con la solidificazione dell'astrazione occidentale. Gli spettatori saranno inseriti in un contesto senza vincoli, spontaneo. Impostare il dialogo e la distanza tra sé e gli altri in modo ordinato, per percepire il pensiero filosofico sullo sfondo della vita in Oriente e in Occidente. Le pennellate gentili di Mengjie sbiadiscono la tonalità e tutto è silenzioso e solitario. Questo è il modo dell'artista di comprendere il mondo. Ha bisogno di guardare con calma, immergersi ed esplorare ripetutamente i cambiamenti nell'immagine e nella materia. Infatti, crede in una certa connessione tra il tempo e se stesso. Cerca una sorta di qualità indifferente ed elegante che non ha nulla a che fare con il mondo, che è uno stile artistico che anela alla bellezza. Tutto può essere bello.
Cristiano Plicato
Cristiano Plicato - 