un artista che dipinge le forme del corpo umano avvolte e spezzate da vortici e linee di forza che ne scandiscono il ritmo.
Massimo Nesti, un pittore nel pieno della sua maturità artistica, vive e opera a
Senigallia, nelle Marche, dove organizza corsi di disegno, pittura, grafica, illustrazione, design e fumetto lavorando a stretto contatto con la sua compagna Cristina Verdelli. Qui, promuove e propone progetti didattici e formativi, seguendo con professionalità e passione i giovani studenti o gli adulti che vogliono avvicinarsi al settore della comunicazione.<<Mi occupo della gestione e dell'organizzazione dei corsi di Arti figurative nello “Spazio Artistico NV.ART di Senigallia>>, mi dice al telefono, quando lo contatto per un’intervista.
Nato a Milano nel 1967, Massimo Nesti ha frequentato il Liceo Artistico e l’Accademia di Belle Arti di Brera, laureandosi in pittura nel 1991. È ormai un artista affermato e quotato; ha esposto a Tokio, Strasburgo, Milano, Innsbruck e in molte prestigiose gallerie nazionali; le sue opere sono state apprezzate da pubblico e critica e sono incluse nel Catalogo Generale dell’Enciclopedia d’Arte Italiana, in annuari, giornali e riviste nazionali.
Massimo, quando hai iniziato a dipingere?
<<Ho scoperto l'acquerello, la tempera, l'acrilico e le matite alle scuole medie, ma già da piccolo ero attratto dal disegno e dalla pittura. Purtroppo, durante le elementari non ho avuto un valido supporto da parte della maestra>>.
Quali furono i tuoi studi successivi e come hanno accettato in casa la tua scelta?
<<Quando decisi di frequentare il Liceo Artistico Statale a Milano la risposta dei miei genitori fu perentoria e decisa: "Massimo tu lo fai e lo finisci senza essere respinto neanche una volta">>.
E naturalmente fu così, anche se ti sarai dovuto piegare a duri sacrifici!
<<Sì, certo; ma furono gli anni più belli della mia vita: avevo trovato, oltre che dei compagni di classe, anche dei validi amici che ancora oggi, a distanza di 35 anni, sento e vedo di frequente; eravamo una classe eterogenea ma unita. Mia madre e mio padre mi sono sempre stati vicino, spronandomi e sostenendomi nei momenti più difficili della mia vita; li ringrazio e sono grato per tutto l'aiuto morale e materiale che ho ricevuto>>.
È da allora che hai deciso di frequentare l’Accademia di Brera?
<<Sì: al liceo avevo imparato a rafforzare le mie conoscenze, approfondendo molto la copia dal vero, le tecniche, la storia dell'arte, ma anche altre materie come chimica, biologia, matematica e anatomia. Scegliendo poi l’Accademia, ho trascorso anni di creatività, di arte, di colore, di scoperte e di confronti>>.
Ho notato che tra i docenti di Brera hai avuto Saverio Terruso (Monreale, 1939 – Milano 2003), un Maestro di fama che conoscevo e apprezzavo, come mai questa scelta?
<<Perché sono sempre stato affascinato dalla pittura figurativa, dall'arte dell'Umanesimo e del Rinascimento; dalla Scuola dei Carracci, di Guido Reni, di Caravaggio con la sua luce e dei caravaggeschi; da Frans Hals e da Rembrandt. Il professor Terruso esigeva da noi tanti disegni, studi del corpo umano e copie dal vero; nello sfogliare le mie prove durante il primo anno di accademia, mi disse: "hai un bel segno, continua a lavorare così, migliorerai sicuramente e raggiungerai un tuo stile personale". Terruso mi ha dato molto, perché insegnava seriamente e la sua pittura, così ricca di colore e gradazioni tonali accese, ha decisamente influenzato la mia sensibilità cromatica. Dal 1986 al 1991 ho vissuto l'accademia e il suo ambiente in modo propositivo>>.
Sarai stato incuriosito anche da altri programmi e docenti di corso.
<<Un altro docente al quale sono riconoscente per la sua disponibilità e per le sue preziose indicazioni e consigli è il professor Maurizio Volpi, che tuttora insegna all'accademia di Carrara. Amo il figurativo ma ho consegnato una tesi con il professor Francesco Poli sulla pittura di Ennio Morlotti e l'informale in Italia. Anche il modo morlottiano di stendere il colore, a colpi di spatola e con pennellate dense di materia, ha influenzato il mio stile>>.
Parla della tua ricerca.
<<Come ti ho già anticipato, la mia ricerca ha quali pilastri fondamentali la luce nella
pittura del Seicento (Caravaggio, Rembrandt, i Carracci), le gradazioni tonali di un figurativo espressionista, le linee di forza che determinano la dinamica e l'equilibrio della composizione e la fisicità della materia rilevata e ritrovata in un artista informale come Ennio Morlotti, che ebbi l'immenso piacere di conoscere alla galleria Bergamini di Milano. La mia pittura attuale è figurativa ed espressionista con alcuni rimandi allo stile seicentesco, da cui non riesco a liberarmi facilmente, anzi mi lascio attirare in maniera instancabile e con “devozione”. La mia azione si focalizza nel calibrare bene spazio, segno, luce e colore all’interno delle mie composizioni, in modo da comunicare un certo tipo di figurazione contestualizzata ai giorni nostri, ovvero attuale, con emozioni odierne, pregne della rapidità dei mezzi contemporanei.
Quali sono stati i tuoi cicli pittorici?
<<Posso per ora definirne due: la ricerca delle “tonalità del paesaggio informale”, e “Uomo 
e Materia”. Tutto iniziò con la scoperta di un bellissimo testo che ho approfondito insieme ad altri libri per un esame con il Prof. Roberto Sanesi, allora docente di Brera; il testo in questione è “The Waste Land” di T.S. Eliot che Sanesi mi fece conoscere e studiare alla perfezione. In questo primo ciclo, ho rappresentato la visione di un uomo moderno sempre in lotta con sé stesso e con gli altri, il quale però riesce a riscattarsi dalla sua dimensione con la forza interiore della sensibilità, di fronte alla bellezza del colore e della luce. Il secondo ciclo è una riflessione sul Paesaggio Informale, costruito sulla memoria e sui ricordi di immagini della natura, in cui riprendo e, seppur con diversi obiettivi, recupero lo stile e il modo di dipingere di Ennio Morlotti, approfondendo la tematica di una rappresentazione della natura vista nella fisicità della materia>>.
Cosa dipingi ora e come classifichi la tua pittura attuale?
<<Ora sto lavorando a una rappresentazione della visione dell'uomo in lotta nel terzo millennio e a una ricerca di salvezza basata su una realtà interiore costituita da cromie in armonia fra loro e con l'ambiente circostante. È un approfondimento sulla bellezza che parte da una base classica e che si trasforma per mezzo della materia e delle linee di forza 
in una nuova dimensione libera ma, nello stesso tempo, ordinata ed equilibrata. Le mie opere non nascono a caso, ma tendo sempre a usare un metodo classico di schizzi preliminari, studi e disegni preparatori che mi indicano chiaramente come procedere per la scelta degli spazi, delle tonalità, dell'equilibrio dei soggetti e delle linee di forza che determinano il movimento e la velocità nello spostamento interno dei protagonisti della composizione. La base è figurativa e i dipinti molto spesso sono rappresentazioni di battaglie, lotte, corpi in lotta, combattimenti dove, in alcuni casi si scorgono elementi dell'età antica (elmi, frammenti di corazze, stendardi e scudi) e le cromie chiaroscurali si sciolgono lentamente in tonalità espressioniste, dove segno e colore predominano e la materia del colore si nota nel suo agglomerarsi in varie superfici della tela. Nelle mie opere la comunicazione è fondamentale, primaria: non voglio nascondere, desidero che lo spettatore entri nell'immagine e si ricordi dell'emozione e dell'intensità che prova in quel momento; la sensazione deve essere una percezione di benessere, libera da qualsiasi vincolo, positiva, la quale sappia trasmettere una percezione salutare che scalzi sentimenti negativi e distruttivi! Tra la pittura del passato e il mio modo di espressione esiste un legame ben stretto: è un legame fondato su un lavoro quotidiano di ricerca instancabile e di scoperta, basato su temi della pittura innovativa del Seicento e della scomposizione del colore dai divisionisti, come Previati e Segantini, ai macchiaioli toscani, fino ad arrivare alla dinamicità delle linee di forza e delle scomposizioni di piani cromatici>>.
Che significa essere artista oggi?
<<Significa riprendere in “mano” completamente il mestiere; aggiornarsi con le altre forme d'arte ed espressioni come il fumetto, l'illustrazione, la scultura, il disegno d'animazione 
(quindi provare le tecniche, i nuovi materiali che si usano in quelle discipline). Secondo me, oltre al proprio Studio, occorre “creare”, quando si è acquisita un’ottima professionalità, anche una “Bottega Moderna", che diventi un punto di riferimento per neofiti, amanti dell'arte o professionisti, in modo tale da divulgare l'arte, i suoi segreti e le sue tecniche e creare “community” per la realizzazione personale e artistica di ognuno. Oggi un artista è un intellettuale, un comunicatore, è una persona che sta insieme alla gente per capire le esigenze e i problemi della gente; è un insegnante, uno sperimentatore; è una persona che deve avere la possibilità di esprimere la sua arte in modo globale e in tutto il mondo. Ci sono molti giovani assai motivati che frequentano la nostra “Scuola d'arte-NV.art” a Senigallia e noi insegniamo loro a lavorare senza sosta, non cedendo a nessuna incertezza o sfiducia, coltivando una libertà di esprimersi anche interiore (per informazioni: www.nvart.it)>>.
Giuseppe Possa
distribuisce un periodico di bordo, “Comazzi: Bus” (Direttore Responsabile: Raffaele Frassetti), che informa e illustra la propria attività con le fotografie “artistiche” (non solo promozionali) di Carlo Pessina. Infatti
graziosa pubblicazione si trova negli esercizi turistici, negli enti, nelle scuole e naturalmente negli uffici e nei retro schienali degli autobus Comazzi. Carlo Galli nella presentazione asserisce che: “Obiettivo del progetto è di portare a conoscenza i nostri clienti delle novità e degli sviluppi aziendali, e naturalmente pubblicizzare le zone dove operiamo. Si trovano, inoltre, alcune interviste rilasciate da amministratori locali, amministrazioni scolastiche e aziende del territorio, ma soprattutto per scelta tanto materiale fotografico”.
trenta - firmate da Beba Schranz - sono dedicate all’intero territorio, in un viaggio che va da Novara alla Val d’Ossola, attraverso l’Alto Vergante, i laghi (Maggiore, Orta e Mergozzo) passando dal Mottarone. Seguono le interviste ai sindaci Sergio Bossi di Borgomanero (crocevia per laghi, montagne, pianure e una realtà economica, sociale e culturale di ampio rilievo) e l’On. Alberto Gusmeroli di Arona che invita i lettori con buoni motivi ad andare a visitare la città e i suoi dintorni. Proseguendo poi a sfogliare la rivista, Pierantonio Ragozza, Preside del Liceo Giorgio Spezia di Domodossola, mette in luce la storia di una scuola prestigiosa, istituita nel 1972 come Liceo scientifico e che oggi ha anche nuovi corsi: Liceo classico, Liceo linguistico e Liceo economico sociale.
ossolano, noto soprattutto per aver dato alle stampe numerosi romanzi giallo-noir, sono![VUEN5423[1]](http://pqlascintilla.files.wordpress.com/2019/08/vuen54231-e1564675973524.jpg?w=402)
![IMG_E0886[1]](http://pqlascintilla.files.wordpress.com/2019/07/img_e08861.jpg)
, padrone del disegno, delle tecniche gestuali e cromatiche (dopo il diploma di geometra, ha frequentato a Milano la “Scuola di Fumetto” in via Savona e al Castello Sforzesco la “Scuola di Arte e Messaggio”), è stato il primo pittore ossolano - e allora era giovane - ad accorgersi che il mondo delle arti visive stava cambiando rapidamente, “contaminato” dai nuovi mezzi di comunicazione e di fruizione delle opere.![IMG_E0887[1]](http://pqlascintilla.files.wordpress.com/2019/07/img_e08871.jpg)
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in via Binda 16, e noto alle pareti, alcuni quadri di ![IMG_E0890[1]](http://pqlascintilla.files.wordpress.com/2019/07/img_e08901.jpg)
In altre opere, qui non presenti, l’artista sceglie una tessitura cromatica più forte, squillante, sapientemente giustapposta, con un’attenzione ai diversi colori. È facile intuire in lui una profonda conoscenza della cultura pittorica del passato, dal rinascimento all’impressionismo, via via fino al contemporaneo, frutto di una tensione passionale, immune da cedimenti romantici.
intensa, commovente e ricca di phatos, questa di Gladys Sica, poetessa italo-argentina, dettata da profonda riflessione interiore, dove il richiamo alla guerra - scatenata per egoismo o per una perenne conquista del potere e del dominio - diventa un’accorata esortazione per scongiurarla. Il suo ammonimento allegorico, non privo di speranza, è un invito, dall’intimismo soggettivo al sociale universale, affinché la nostra civiltà possa eliminare le sopraffazioni, le violenze, gli sfruttamenti scatenati ovunque tra gli uomini, ma, in coscienza, anche contro la natura o le altre specie. Tenendo conto che la poetessa è pure un’affermata pittrice e scultrice, i suoi metaforici versi appaiono quali pennellate di una tavolozza dalle forti tinte, spatolate dai colori multiformi o incisivi colpi di scalpello nel quotidiano e tormentato scorrere della Storia>>.
<<I versi asciutti e assai riflessivi di Gaetano D’Alessio sanno emozionare il lettore e sgorgano da un atto “metaforico” dell’anziana mamma che accarezza una bambola di pezza senza saper più distinguere “tra finzione e realtà”. Un gesto che riporta alla mente del poeta, con nostalgia, ricordi giovanili. Sono proprio quei sentimenti vissuti nell’infanzia a mostrare la tristezza dell’immaginario mondo odierno dell’anziana madre, da cui però l’autore continua a cogliere amore, ricambiandolo con affetto e animo filiale>>.
rughe”: <<Poesia tra il nostalgico e il crepuscolare, quella di Massimo Ottolini, ma che apre uno squarcio di speranza sul trascorrere inesorabile del tempo. Infatti, non si sgomenta, anzi trova una specie di liberazione nell’amore, un’onda che contagia anche chi gli sta accanto. La conclusione è un invito a non guardare ai segni del tempo scavati nel volto, ma a cogliere negli occhi, nel cuore e nell’animo ancora gioia e tenerezza>>.
racconto The Hulk (pseudonimo di Luigi Papanice) utilizza, come nei suoi 13 romanzi pubblicati, uno stile giallo-poliziesco, unitamente a una scrittura delicata e scorrevole, che riesce a coinvolgere e tenere in “suspence” il lettore fino alla fine. Il protagonista, di cui nessuno conosceva la vera identità, se voleva incassare il lauto compenso doveva soddisfare alcune precise richieste. Ha fallito, ma con abilità è riuscito a sfuggire alla cattura e a far perdere le proprie tracce… ma già “vola” verso una nuova efferata impresa>>.
racconto di Davide Savorelli, è stato premiato per la descrizione fresca e coinvolgente di una morte incomprensibile e misteriosa, se il fratello del Commissario non fosse stato un filologo appassionato di cinema, che ha saputo chiarire alcuni inquietanti interrogativi. Scritto con pennellate giallo-noir l’autore si rivela prosatore lucido e attento>>.
Gallace
<<Il premio Speciale Bognanco per la carriera 2019 è assegnato a Umberto De Petri, personaggio poliedrico, guida naturalistica e turistica del VCO. In particolare, per la Valle Bognanco ha proposto e organizzato escursioni sui numerosi sentieri. Profondo conoscitore della storia locale, ha consultato annate di riviste e vecchi quotidiani pubblicati in Ossola, dando poi alla stampa alcuni suoi libri dedicati alla cronaca d’altri tempi di molti paesi delle nostre valli, Bognanco compreso, affinché non se ne perda la memoria>>. 
Nella storica sala “Biffi Arte” di Piacenza, via Chiapponi 39, si conclude a fine luglio la mostra personale di 
Gatti - “alla didascalia per dispensare moniti di accoglienza o denunzie di rigetto dell’altro. Il suo racconto è universale e tocca ogni forma di lontananza e abbandono”. Gioxe, quindi, affronta la propria ricerca con garbo, con personale emotività tutta contemporanea, venata di soffici cromie poetiche e di atmosfere trasognate spesso dipinte con metafore enigmatiche e sottile ironia, tra il surreale e il metafisico. Sulle tele si notano a volte personaggi statici, immobili, ad annusare “l’aria che tira” o mentre temporeggiano; altre volte appaiono quasi danzanti in deserti immaginari o mentre vendono salvagenti e aquiloni; alcuni sembrano perfino svolazzanti come cappelli al vento. Tutti i loro volti, infine, somigliano a entità apolidi, protagonisti in un isolamento lirico, in ambienti e spazi senza confini.
A De Micheli, segnalato dalla critica nazionale e internazionale come uno dei pittori più significativi della sua generazione, ha senz’altro giovato l’essere cresciuto in una famiglia che ha sempre avuto un rapporto preponderante con la cultura e che frequentava artisti, intellettuali, galleristi di fama. <<È stato determinante>> afferma, <<e mi ha di conseguenza facilitato, l’aver avuto a disposizione un così vasto patrimonio intellettuale e umano, dal momento che possedevo anche un’autentica passione per l’arte. Se ripenso alla mia gioventù, posso ben dire di aver visto passare, per casa mia, i più grandi pittori e scultori, da Manzù a Cassinari, a Morlotti a Gattuso, a Fontana, per accennare solo pochi nomi. Ne ho conosciuti anche di stranieri. Pensa, Siqueiros voleva che andassi a Città del Messico a dipingere con lui, dopo che aveva visto i miei lavori>>.
Giovanni Raboni, Giorgio Luzzi, Elena Pontiggia, Vivian Lamarque, Floriano De Santi, per accennarne solo alcuni. Antonello Trombadori nel 1983, a proposito del suo lavoro, scriveva: <<L'interesse che in particolare suscita Gioxe De Micheli è per me di ordine stilistico. In che senso? Nel senso in cui lo stile di un vero artista si pone sempre come ricerca non formalistica, bensì di forme specificamente espressive di contenuto, meglio, di un pensiero dominante. Altro che fuga nel buio dei tempi. Non si tratta di fuga ma di consapevole cammino verso quel confronto agostiniano col quod aeternum non est, nihil est al quale le risposte sono solo due: o il mistico annullamento o il problematico operare. Quest'ultima è la risposta poetica di Gioxe De Micheli>>. 
Egli ha quasi sempre lavorato per cicli: il primo s’ispirava a Durer; il secondo alla rivolta contadina guidata da Thomas Muntzer; poi ha continuato con la serie dedicata alla vita domestica e con quella del “Naturalista”; in seguito è stata la volta dei “Fratelli della costa” e delle “Delizie estensi del delta”, fino al “Trittico dei viaggiatori” e alle altre numerose opere ispirate da autentici sentimenti, da valori intrinseci e da una visione del mondo universale. Due parole a parte, merita il ciclo “Il ritorno del Guidoriccio”. Anni fa, finse di aver trovato il manoscritto di un poeta, Bonario da Sassoforte, che Gioxe in realtà scrisse e poi pubblicò con l’editore Crocetti. In esso si cantano, appunto, le gesta di Guidoriccio, che comandò e condusse vittoriosamente le truppe senesi (in epoca medioevale): <<Proprio dalle parti dove avevo una vecchia casa colonica, in Maremma e immaginai che si fosse fermato proprio sotto la mia abitazione e che avesse bevuto al “fontino”, presso il fosso, prima di addormentarsi sotto la pergola>>. A questo capitano di ventura, De Micheli, ispirato dalla sua permanenza in Toscana, dedicò poi, come già accennato, un gruppo di opere. E mentre me ne illustra i soggetti, mi sembra di intravedere nei suoi occhi un lampo, come se all’improvviso fosse scoccata in lui l’ispirazione, anche per un ciclo di opere “ossolane”, come m’informa l’autore,
paesi, quali Inghilterra, Spagna, Francia e Olanda. ? Dopo alcuni corsi di approfondimento presso i "Pittori dei Navigli di Milano", ha frequentato un corso di decorazione e "trompe l'oeil" tenuto dall'Ente Scuola Edile Milanese. Giunto alla maturità, si è trasferito in una casa di campagna, realizzando il suo atelier-studio, con la possibilità di dedicarsi pienamente alla propria passione. Trascorre molte delle sue giornate pittoriche "en plein air" nella valle Vigezzo, la valle dei pittori, dedicandosi in particolare all’acquarello. Negli anni, è passato dalla pittura figurativa, sia a olio che ad acquarello, a quella astratta. In questi ultimi tempi, la sua ricerca è sempre più rivolta all’informale, all’indagine sulle possibilità espressive del colore, con una semplificazione portata all’essenza. Le cromie vengono da lui assunte come energia gestuale, vibrazione, simbolo delle forze universali, fino a un percorso che lo ha avvicinato alla pittura zen di quest’ultima produzione, inchiostro su carta in stile nipponico.
comporre, attraverso soprattutto il nero, ma a volte pure il blu e infiltrazione di qualche altro colore, una sorta di personale diario interiore. Il tutto con gesti liberi, ma sicuri, che non permettono ripensamenti, dove eventuali esplosioni di sgocciolii o striature vibratili e rarefatte, senza spessore di colore, anzi appena percepibili quali sbavature d’inchiostro, hanno movenze trasformative, ma appartenenti al movimento di quel preciso istante. Nascono così le molteplici interpretazioni delle immagini: in giapponese enso (cerchio), è spesso collegato all’esperienza meditativa dei monaci buddhisti Zen che ha finito per divenire la maniera più semplice e diretta per esprimere l’ideale di perfezione assoluta.
significati anche comuni, come quello di vivere pienamente ogni momento della nostra vita, a mio avviso, questa ricerca di Maestrini racchiude una grande capacità tecnica che gli permette di rendere luminoso ciò che per antonomasia è la negazione della luce. In questo, si potrebbe scorgere l’influenza orientale come richiamo a evadere dalla logica di una società dedita con troppa tensione alle cose materiali e che tralascia spesso quei sentimenti che l’arte può concedere. Sicuramente si tratta solo di un passaggio dell’autore attraverso questo tipo di arte, poiché egli è sempre teso a dipingere rinnovate emozioni e queste creazioni di certo gli forniranno i giusti stimoli per proseguire oltre, perché Stefano Maestrini è soprattutto un testimone di autenticità e di libertà nell'arte contemporanea.![IMG_1098[1]](http://pqlascintilla.files.wordpress.com/2019/07/img_10981.jpg)
La Valle Vigezzo, senza la prestigiosa “Scuola di Belle Arti Rossetti Valentini” di Santa Maria Maggiore, non potrebbe vantarsi di annoverare, tra i suoi personaggi, artisti di fama nazionale, quali Enrico Cavalli, Carlo Fornara e Giovanni Battista Ciolina. Tuttavia, la Valle dei pittori ha avuto un fecondo periodo artistico per l’incrociarsi di precise circostanze. Innanzitutto, gli ottimi affrescatori e pittori di maniera che ha avuto nel Settecento, creatisi sugli insegnamenti, tramandati di padre in figlio, di quegli artisti che erano stati chiamati un po’ da ogni parte d’Italia, tra i secoli XV e XVI, a decorare e ad abbellire le chiese della Valle. Erano così sorte alcune scuole, come quella dei Simonis e dei Sotta, in cui si formarono numerosi artisti.
Tra i numerosi artisti che ancora oggi tengono alto il nome della Valle Vigezzo
all’impaginazione tradizionale. I paesaggi spontanei sono aperti e pacati, freschi di vitalità. Nelle sue composizioni, probabilmente, agisce con lentezza tranquilla, controllata da un occhio interiore che oltre ai particolari realistici, tende ad interpretare le vedute e gli scorci raffigurati. Tali dipinti sono piacevoli per la loro armoniosa sintesi, che appunto travalica la scansione meccanica e descrittiva degli elementi raffigurati, in favore di una vibrante dimensione emozionale, la quale sa cogliere le varie trasformazioni della natura. È quando il suo pennello cerca un tocco di atmosfera delicata e fantastica, tra il naif e il classico, che egli riesce a infondere il calore inventivo e immediato dell’autenticità, con il gusto di raccontare ciò che lo circonda. Riesce anche a rappresentare con umanità e poesia le caratteristiche tipiche di personaggi locali, come gli spazzacamini o gli alpigiani al lavoro.
emozione. Egli sa colmare gli spazi richiamando paesaggi della sua terra, intrisi dei colori così come si trovano nella natura. L’artista propone anche baite, visioni di boschi, lo snodarsi di sentieri e ruscelli, cogliendo gli scorci di bellezza montana con cromie calde e vibranti. Attraverso tonalità accentuate egli propone prospettive e atmosfere tipicamente alpine, risaltate anche dall’uso delle sabbie, che alle opere portano una specie di movimento dinamico e pure un coinvolgimento intimo dell’animo. È soprattutto la sua tavolozza a trasmettere sensazioni e vibrazioni che rivelano immagini sintetizzate della sua interessante ricerca, la quale prosegue con buoni risultati e insolita vena creativa. Ne sortiscono composizioni, dal piglio fresco e dalla finezza contemplativa, frutto di scelte personali: quali la stesura dei piani per sintesi, la ricerca tonale, la contenutezza volumetrica, dentro soggetti aperti e sereni.
senso emozionale del colore. La sua pittura appare spontanea, magari a prima vista può sembrare nive, ma ha un proprio fascino, con linee semplici e toni vivi, con la sensibilità di un occhio pulito e di un cuore caldo. Sostanzialmente e un romantico: dipinge paesaggi semplici e affascinanti, ma anche scorci di città in architetture complesse: quadri che lasciano intravedere il tocco magico della poesia. Ponendosi di fronte ad essi si nota il variare delle occasioni, ma resta immutato il sentimento nell’orchestrare la grande sinfonia della montagna, offerta come consolazione al grigiore della vita cittadina e frenetica. Immagini aperte, pronte a carpire bellezze e a svelare gli incanti improvvisi di un pittore candido, dalle radici popolari, da cui traspare il suo mondo rurale di potenza evocativa. Chi appende nella propria casa un suo quadro desidera accogliere, tra le pareti domestiche, paesaggi caldi e distensivi.
dove ha colto, in assoluta tranquillità, per poi documentarlo sulle tele, il fascino delle vallate, delle chiese e dei paesi ossolani. Stupendi sono i suoi “esterni”, a volte appena maculati di neve, dove si percepisce un rapporto atavico tra l’uomo e l’ambiente natale o come in certi angoli nascosti delle tante frazioni del posto, colti in una solitudine quasi metafisica o magica, che lascia lo spirito di chi li guarda in sospensione tra spazio e tempo. Nelle sue tele campeggiano montagne appuntite verso cieli azzurri o turbolenti, baite spesso sgretolate dal tempo e dall’incuria, con accanto vetusti pini che si elevano taciti verso orizzonti diafani, e poi pareti rocciose, boschi, prati silenziosi, acque spumeggianti di torrenti. Il tutto colto con quei colori vivi, che assumono la forza di un lirismo impregnato di luce intensa. La figlia Susy Giorgis, pure lei pittrice, è la prima donna vigezzina che si è dedicata all’arte.
in Vigezzo, attratta dalla sua storia e dai suoi paesaggi suggestivi, che si dedica alla pittura. Una pittura semplice e genuina che si esprime in forme deliziose e che ritrae paesaggi, ma soprattutto nature morte in uno stile piacevole e dai colori intensi. Ella imprime valore alle trasparenze, ai riflessi, con cromie nordiche, specie quando inanella le catene dei monti, che si stagliano sullo sfondo con insolita schietta e tormentata trasfigurazione. È attratta anche dai soggetti floreali (i fiori si dispongono affastellati o liberi, piegati o abbandonati, reali o inventati) e dalle nature morte, fresche nell’impaginazione e nella cromia. Molte di quest’ultime mettono in evidenza oggetti di utilizzo consueto, ma che sembrano modulati sulle tele per raccontarci della loro umile storia di tutti i giorni. Un’arte, la sua, pregna di quei sentimenti che scandiscono e disvelano le trame del suo vissuto e dell’ambiente in cui vive.
intagli, pannelli, bassorilievi, in legno o altri materiali: opere tutte che, senza bisogno di enfasi esornativa, recano storie religiose o mestieri e tradizioni locali. La sua pittura è densa, sobria e si esprime con tele dipinte spesso di getto, con animo spontaneamente impressionista. Certe ampie vedute – a volte con la vista di bestiame al pascolo nell’idilliaca carezza del verde dei prati e dei boschi, o con baite fiancheggiate da pastorelle o contadini ripresi nelle loro attività giornaliere – possiedono uno slancio poetico catartico che ci fa ritrovare, fra le montagne, quella pace e quella tranquillità che le frenetica vita moderna, di fatto, ci impedisce di assaporare. Queste sue opere confermano la propria rigorosa linea creativa-figurativa nell’alveo del solido e schietto naturalismo vigezzino, dove la luce è protagonista nel contatto profondo del pittore con le cose che vede e lo circondano.
differenti emozioni formali e cromatiche, tradotte in genuine e suggestive rappresentazioni. In ciò lo ha aiutato anche il suo soggiorno in Francia, dove ha dipinto quadri impressionisti dalle sensazioni insolite e dagli scorci originali, con effetti d’ampia luminosità, d’affascinante resa atmosferica. Non si limita a raffigurare i paesaggi della sua terra, e sempre riesce a esprimerli con colori freschi e limpidi, riprendendoli in tutte le luci e nel variare delle stagioni. A volte gli bastano dei cespugli, degli sterpi, dei viluppi di particelle, dei ciuffi d’erba folti e arruffati, per costruire un quadro, in una visione della natura spogliata di ogni romanticismo, ma con la freschezza di un tocco lieve, rapido, vibrante, che rende l’idea del movimento e dà l’impressione di un colore-luce, poetico nella materica stesura. Possiede un ottimo equilibrio delle forme e la spazialità geometrica delle prospettive.
abbarbicate sui pendii, gli alpeggi contornati dai boschi, le baite che sanno d’ataviche fatiche, diventano i soggetti preferiti di quadri sempre diversi e cromaticamente uniformi. Pertanto, questi scorci di un vivido diario vissuto col cuore si trasformano in testimonianze figurative di luoghi che, forse, il tempo e l’incuria dell’uomo lentamente annulleranno. Proprio per questo il suo è un canto soffuso al fascino delle bellezze naturali e un invito a conservarle per le future generazioni, risvegliando dentro di noi un senso di pace e di serenità. Pervasi da questa crepuscolare atmosfera sentiamo penetrare nel nostro animo un’aria primaverile di profumi di montagna. L’autore manifesta quella vitalità che sa creare un’autentica stagione umana, in un mondo che pare aver smarrito l’essenza primordiale del vivere in mezzo alla natura.
ed oniriche, riesce sempre a cogliere la scintilla dell’indagine e della riflessione che lo porta a raffigurare in chiave più attuale la tradizione locale. Nelle sue opere c’è lo splendore vivace dei colori, una chiarezza d’impianto che rendono le sue composizioni suggestive e con un fascino di entusiasmo alpino, perché l’autore riesce a trasmetterne, con viva e armoniosa sintesi, i valori atmosferici che travalicano la scansione meccanica e descrittiva degli elementi dipinti, in favore di una vibrante dimensione emozionale. Le sue opere racchiudono soggetti diversi e paesaggi nel variare delle stagioni, quasi tracciati da tocchi incantati e magici, con una visione d’insieme vibrante, energica, dai toni penetranti e dai colori ricchi di suggestione. Egli oltre ai paesaggi, non solo montani ma anche lacustri, dipinge pure quadri dai soggetti rivolti alle problematiche umane, agli eventi e alle situazioni di vita sofferta.
d’armonia sono alcuni sottoboschi autunnali, con cromie arancio-fuoco, il cui turbinio di fogliame, se isolato, dà quasi l’impressione di un astratto. Stupende anche le opere impressioniste, autentiche e sentite: tele che ha conservato gelosamente per sé, con paesaggi vigezzini, milanesi o della Francia, molte delle quali riproducono magari solo atmosfere piacevoli o particolari di vedute. Ha pure allestito una mostra con quadri dipinti a Venezia. Una città lagunare immersa in un’atmosfera diversa: egli parte, infatti, da monumenti e scorci poco noti, esaltandone gli angoli nascosti, valorizzandoli con una straordinaria capacità tecnica stilistica. Si è addentrato nelle calli e nei canali, dove le barche sembrano galleggiare in una sinfonia di sfumature accostate. I soggetti più conosciuti li ha inseriti sullo sfondo, cercando per il primo piano un particolare qualsiasi: un pozzo, una statua un elemento architettonico.
vibravano e si illuminavano di poesia. Suo motivo d’ispirazione era la natura e le immagini che dipingeva nascevano da un sentito rapporto con il reale: la sua pennellata pastosa sapeva cogliere le bellezze della Valle Vigezzo con quello spirito vivace e vivificante, dominato dal verde, simbolo di freschezza e di speranza. Aveva iniziato tardi a dipingere, ma possedeva un talento innato per la cromia, con una luce magica che a primo sguardo sembrava uscire dall’anima stessa del colore. Prediligeva il richiamo del verde, possente, lampeggiante, attraverso il quale i suoi paesaggi si manifestavano come luoghi di quiete e di pace. Certi suoi sottoboschi, poi, sono illuminati da riverberi dorati, con grovigli di sterpi, su strade tracciate in allucinati bagliori, simili a tumulti che urgono agli argini, come una piena.
sua pittura tende, pur nella tradizione, a scelte personali: quali la stesura di piani per sintesi, la ricerca tonale, la contenutezza volumetrica. I suoi paesaggi sono aperti e pacati; le nature morte fresche di vita e di umori, un po’ per il connaturato senso del colore, un po’ per il gusto di raccontare ciò che ci circonda, nelle sue varie sfaccettature. Alla poesia delle sue tele - che racchiudono soggetti semplici e freschi (nevicate, vedute e scorci vigezzini nel variare delle stagioni) quasi fossero tracciati dai tocchi magici di una fata - c’è una visione d’insieme vibrante, energica, dai toni penetranti, dalle cromie ricche d’emozione e l’effetto sulle tele è per noi commovente.
consigli e degli incoraggiamenti di colui che egli considerava il suo vero maestro spirituale: Carlo Fornara. Al divisionismo Ramponi è rimasto sempre fedele, così come alla sua terra che ha dipinto in tutte le stagioni, rivelando l’appassionato amore alla natura, all’emozione della solitudine, ai sentimenti più elevati. Ammirando le sue tele si percepisce un’atmosfera ferma e una luminosità delicata, di aria tersa e sottile, unitamente a una scansione precisa delle forme nello spazio. I suoi quadri, ricchi di immagini idilliache, racchiudono scenari suggestivi, in un certo senso ancora integri e naturali, con cieli tersi e assolati; raffigurano una natura dalla tensione lirica e diventano come un monito a riflettere sulla necessità e sull’urgenza di proteggere un ambiente non ancora inquinato e non totalmente intaccato dalle speculazioni costruttive.
umanità indifesa”. La stessa che viene mostrata nel quadro iniziale: migranti intenti via mare o via terra a raggiungere l'Italia con la promessa e il miraggio di un buon lavoro, tutti speranzosi ma ignari sia della destinazione, sia di cosa aspetti loro; ognuno con dentro la tristezza e la malinconia di aver lasciato il proprio paese e i famigliari. Un preludio, pur dall'amaro taglio, forse 'abituale', scontato nel contesto di un tema generale rilanciato con pretesto ogni giorno dalla super struttura dell’in-formazione. Però, dopo le scene spesso strazianti delle partenze e degli addii, il registro narrativo cambia con repentinità e allo spettatore viene svelata in senso crescente e traumatico una 'realtà' inimmaginabile, la stessa in cui saranno immersi e sommersi in modo tragico i gruppi di migranti giunti a destinazione.
condizione umana e sociale (o un insieme di stati d'animo), “usando” (più che le parole o non solo quelle) i corpi e i movimenti degli attori, uniti a una scenografia scarna ed essenziale, quasi oltre il minimalismo. La straordinaria performance durante “La Fattoria”, con le bestie antropomorfe vicine all'osmosi umana (o viceversa) grazie al sincronismo trasformista degli interpreti, lo aveva già ben dimostrato; ma nel nuovo spettacolo, pur limitandosi i movimenti principali (spesso febbrili) alle braccia e alle mani, la 'resa' visiva è stata ancor di più impatto immediato; un plauso meritato perciò a tutti i protagonisti: Daniela Bonacini, Sabrina Borsotti, Cesario Bortone, Roberto Cassone, Ludovica Clerici, Antonella De Regibus, Martina Forni, Elena Nunziatini, Lucia Pesce, Maristella Pozzi, Daniele Semolini, Anna Toscano, Elisa Vanni e Mila Quaglia.
Eccoci quindi al leitmotiv dell'opera, la raccolta dei prodotti della terra (in specie pomodorini), ma insieme la 'vita' nei campi, scandita con insistenza dalle fasi alterne notturne di poco sonno e dalle dure e lunghe giornate assolate, piegati in ginocchio e con appresso un bidoncino di plastica; tre scene pressoché uguali e ripetitive, a rendere il tutto con calcolata ossessione: corpi sempre più sudati e stanchi e, appunto, gesti di braccia e mani sempre più veloci. Meglio che le vessazioni esasperate dei 'caporali' e le violenze sadiche psico-fisiche (fino allo stupro e all'omicidio) subite – rese con maestria in un momento di sincronismo collettivo...colpito uno, cadevano insieme altri – crediamo siano stati proprio i movimenti impazziti di braccia e mani (come in una immaginaria 'catena di montaggio' chapliniana) a impregnare gli occhi e le menti degli spettatori di un forte pathos emotivo, comunque privo di sentimentalismo; anche se, disagio fino al malessere, lo creerà un soffocante e claustrofobico 'cubo-gabbia' di cellofan, apparso a emblema terribile proprio della vita in quei posti, dove sono incappati i migranti e da dove è quasi impossibile scappare.
frutto di schemi politici o denunce sociali”, il risvolto della medaglia o meglio la parte visibile in certi termini collegata o interdipendente di e con quel 'mondo' sommerso di sfruttamento, sono evocati in modi abbastanza diretti e coinvolgenti. Stiamo parlando del nostro cibo quotidiano (cui ormai diamo ben scarso valore, al di là dello spreco) e, per esteso, del consumismo esasperato su tutto... insomma della nostra vita, che sul palcoscenico prendono soprattutto le sembianze delle quattro figure (le uniche) grottesche e caricaturali in costumi estrosi e variopinti (il solito 'tocco' fiabesco della brava e fantasiosa Corinne Bedone), a simboleggiare – ognuna in un diverso settore, dalla moda ai media – la 'modernità' mercificata in cui siamo avvolti e di cui, questo il messaggio profondo, noi tutti siamo vittime, spesso inconsapevoli. Il titolo “Gli stessi occhi”, racchiude magari l'esortazione a guardare da un'altra prospettiva – in egual modo – per vedere e capire l'insieme delle cose e della condizione umana?
degli scontrini ne sono una efficace trovata), segna il punto più suggestivo del rapporto fra le due 'realtà' messe a nudo; mentre perde un po' di efficacia, per la sua cripticità, la scena con il grande tavolo centrale dove un'iconica famiglia tradizionale si ciba di enormi brioche (sciorinando canonici e insulsi commenti), mentre a lato “coppie” di 'caporali' e lavoranti amoreggiano. Dai resoconti veri del giornalista Omizzolo, risulta infatti che cappuccino e brioche fossero usati come “esca” per le affamate donne del campo, costrette poi a sottostare ai desideri sessuali dei loro aguzzini.
mo' di lunghi artigli, a spargere su ogni lavoratore mazzi di banconote. È con la criminalità organizzata che arrivano fra l'altro la metanfetamina e la cocaina per “alleggerire” la fatica bestiale, tanto che i pomodori, in scena prima invisibili e solo immaginati, si materializzano enormi in cartapesta (pesi oppressivi) trasformati poi in 'palloni' danzanti insieme ai movimenti sconnessi e scoordinati dei corpi: una resa teatrale di geniale creatività, rara nel panorama artistico di oggi. Come d'altronde bella e originale è da considerare l'idea di puntare un proiettore contro il pubblico e spingere e costringere - questo è in sintesi il 'potere' della pubblicità! - più di 600 persone a voltarsi per vedere sulla parete opposta al palcoscenico, nonché ascoltare per qualche minuto, enormi immagini di reclame del passato e recenti).
Rilievo elevato a parte meritano anche le luci di Violetta Arista, già distintasi nel 
ad ammirarli, oltre che sulle profondità dei piani, sulla morbidezza dei colori e sulle sempre perfette prospettive. Veniva giustamente definito dai critici un impressionista, ma forse aveva più ragione lo storico dell’arte Gianfranco Bianchetti che coglieva in lui una pittura post-realista di sensazioni. Pochi artisti sono riusciti a illuminare le montagne, i cieli e la neve come Pavesi, nelle cui tele i colori appaiono ben intonati e luminosi, seppure con un leggero velo di malinconia, lo stesso che sembra appartenere al suo carattere. Ci troviamo, dunque, di fronte a un autentico interprete della pittura dal vero, il quale oltre alla padronanza tecnica e stilistica, frutto di tanti anni di ricerca e di lavoro, ha unito una smisurata e provata passione. Ugo Pavesi, persona affabile e modesta, non si accontenta mai dei risultati raggiunti, tanto da andare al di là dell’arte tradizionale, con una pittura personale, poetico-realistica, che trova forse un’eco lantana nei grandi del passato, ma in chiave contemporanea. Bisogna dargli atto di non aver mai ceduto alle lusinghe delle mode pittoriche del momento, sempre fermo nelle sue convinzioni: egli, infatti, dipinge e interpreta sul posto il soggetto, filtrato dalla sua sensibilità>>. (
personale e con eccellenti risultati. Alcuni volti di personaggi significativi delle nostre vallate possiedono, nei suoi quadri, forza espressiva e toni raffinati, insieme alla profonda emozione che sprigionano, pur nella forma classica dell'impostazione. Anche nelle nature morte, egli riesce, con oggetti, frutti fiori o altro, a rinnovare il gusto per le cose locali, proprio attraverso una diversa disposizione prospettica e cromatica. In Ossola, ma anche nel Verbano e nel Cusio, dunque, Pavesi prosegue la propria vocazione per l'impressionismo, in una perfetta simbiosi con i paesaggi che raffigura attraverso pennellate decise. Chi conosce queste zone alpine, dalle bellezze naturali, non ha difficoltà ad entrare in contatto con il mondo poetico del nostro artista. Sebbene i suoi soggetti ritraggano spesso gli stessi scorci, le medesime vedute - con le alpi all'orizzonte, il Monte Rosa in particolare - ogni quadro è diverso dai precedenti. Il segno è ben definito e importante nella risoluzione di talune atmosfere pittoriche, inoltre, l'autore lo utilizza con meticolosa attenzione ai particolari. Il colore è steso con attenzione e regala un effetto dinamico, vibrante. Potremmo affermare che la sua lettura quotidiana dell'ambiente circostante, pur nella tradizionale classicità ossolana, ha qualcosa che richiama ad un ordine sostenuto da una cultura sana, d'altri tempi. La natura delle nostre montagne, i componenti tipici della vita alpina, i caratteristici alpeggi, sono, pertanto, le principali tematiche del "vero" che il nostro pittore trasmette nelle sue opere, riprese con quell'armonia che si fa reale e propria emozione lirica.
con il patrocinio della regione Piemonte e della provincia del Verbano Cusio Ossola, gli aveva già dedicato una mostra speciale divulgando per l’occasione un inserto apparso su "Oscellana", a cura di Gianfranco Bianchetti, che della rivista è il direttore. Nel 2007 ha dato alle stampe una corposa monografia con riproduzioni di oltre 150 opere e con gli scritti di critici, studiosi e giornalisti (alla stesura del volume hanno collaborato Gianfranco Bianchetti, Giuseppe Possa, Raffaele Fattalini e Gian Luca Pavesi). Ugo Pavesi è stato premiato in numerosi concorsi nazionali e internazionali (nel 2018 è insignito del Premio alla Carriera al Concorso Bognanco Terme); si sono interessati alla sua opera, su giornali e riviste, alcuni noti critici. Ha esposto in diverse località dell'Ossola, oltre che a Piacenza, Salsomaggiore, Firenze, Torino, Novara, Verona, ecc. Qualche anno fa ha partecipato a due importanti collettive di pittori ossolani a Chicago e New York.
passione lirica, pazienza, tanta dedizione, perché è percorsa da tensione, da vibrante pathos interiore e si sostanzia di esperienze umane, vibranti riflessioni, volte ad accordare l’interiore coscienza con una mistica subliminale, depurata dell’effimero per tendere a una dimensione intimistica. Così l’autore, senza assumere carattere intellettualistico, né di compiacimento concettuale, rivela una viva tensione a chiarire il proprio mondo esistenziale che quasi aspira alla solitudine del silenzio, alla pace che nasce da dentro. La ricchezza linguistica, stilisticamente controllata, accompagna degnamente lo splendore classico, il canto si fa allora vibrante, accompagnato dalla magia della musica. Infatti, a me sembra, che i suoi versi assecondino più un ordine sonoro che un effetto logico, in virtù delle sequenze metaforiche che provocano cadenze risonanti.
dietro le brume del mito - verso la natura, l’amore e tutti quei sentimenti emozionali che sanno sprigionare. Sono essi il cardine dell’impianto espressivo di Coluccino. 
in cui ha esposto opere astratte, rappresentazioni della natura e ritratti. Una libertà inventiva, la sua, attraverso modi surreali, fantastici, e una struttura volumetrica dentro forme striate che si articola secondo un sistema a volte istintivo, altre intuitivo, della realtà. Per esempio, in un folto di alberi ogni elemento è costruito per mezzo di segni neri e dinamici, realizzati col carboncino, spezzati in modo speculare e rivestiti di una luminosità omogena. I ritratti, inoltre, sono proiettati in una plasticità segmentale in cui i volti (“psicogrammi”) sembrano portare alla luce i sotterranei flussi della coscienza, in espressioni individuali, ma svuotati di sostanza psichica e sentimentale, quasi a voler lasciare posto solo agli occhi, specchio di una personale interiorità.
<<Un mio bisnonno materno, Anton Karlinsky, era un famoso pittore viennese e ha avuto due figli, fratelli di mia nonna, che si sono dedicati all'Arte: Anton Karlinsky Junior che fu un ottimo pittore, purtroppo scomparso in giovane età durante la seconda guerra mondiale, e sua sorella, Elisabeth Karlinsky, anche lei pittrice, che sposò un celebre scrittore e pittore danese, Hans Scherfig, e si trasferì in Danimarca continuando il suo percorso pittorico>>.
<<Nella mia formazione artistica la musica ha avuto una importanza fondam
è perfettamente geometrica, la tela ha già un suo carattere che traspare e asseconda le pennellate. Per quadri di più ampie dimensioni utilizzo tele di cotone non preparato che compro in teleria. Opero sulla tela bagnata con colori acrilici e con segni che vanno cambiando a seconda dell’asciugatura della tela, utilizzo i colori fondamentali non mischiati: rossi, gialli, blu e il calligrafico nero che sostiene il ritmo dell'immagine che nasce dalla mia gestualità. Il risultato del mio lavoro può essere non figurativo, ossia lascio completa libertà allo sguardo di chi lo fruisce, oppure tendere verso la figurazione come nel ciclo di ritratti iniziato più di trenta anni fa o come nel ciclo degli alberi>>.
<<Non solo, ma mi ha portato a diplomarmi anche come Giardiniere profes
<<Proprio così. Se da un lato il Laboratorio Corale Cantar Storie diretto dal Maestro Luca Bonavia eseguirà brani che traggono origine da questo territorio e sono inseriti in un repertorio di canti popolari davvero molto belli, dall’altra sarà il racconto degli allora protagonisti a far rivivere, dieci anni dopo, le sensazioni e le emozioni che si vissero nel momento istitutivo. Sarà, infatti, presente Paolo Caruso, allora assessore ai parchi della Provincia del VCO; ci saranno gli amministratori che credettero nell’istituzione dell’area protetta e chi ha contribuito a impreziosire il lavoro di ricerca. La serata sarà coordinata dal giornalista RAI Maurizio Menicucci, amico del territorio antronese, che con la troupe televisiva documenterà il decennale del parco regionale>>.
della Valle Antrona doveva essere attribuita una gestione autonoma, portata avanti da persone presenti sul territorio disposte a svolgere una delicata missione territoriale, quasi a sacrificarsi per un progetto ambientale. E non sarebbe stato difficile recuperarle. Perché il parco della Valle Antrona non può essere considerato un ente territoriale come altri. Non necessita solamente di politiche incentrate sulla conservazione dell’ambiente, sulla pianificazione del territorio o sulla promozione di eventi marginali. Ha bisogno di una politica rivolta al rilancio occupazionale e alla crescita economica delle sue genti, agevolando la formazione di posti di lavoro legati alla creazione di attività economiche. Quello che a oggi non è ancora stato fatto. Solo una regia di persone nate e cresciute in valle può sostenere una sfida di così grandi dimensioni>>.
le testate giornalistiche “Il Popolo Dell’Ossola” e “Il Sabato” di Novara; inoltre; dal 1994 al 1997 è redattore capo della rivista “Nuova Valle Antrona”. Dal 1999 al 2009 è stato sindaco di Viganella (ora con Seppiana, unite nel Comune di Borgomezzavalle, di cui è vicesindaco). Ideatore del progetto “specchio di Viganella”, realizzato dall’arch. Giacomo Bonzani, ha ottenuto diverse note di merito e onorificenze sia nazionali che internazionali. È Cavaliere Ufficiale “al merito della Repubblica Italiana” e ha riceve il “TAU D’ORO 2006” premio internazionale di televisione e della comunicazione europea, ritirato ad Orta S. Giulio. Nel 2016 ha ottenuto il Premio Bognanco Terme per la letteratura. Prima di questo libro ha dato alle stampe diverse pubblicazioni su argomenti o autori locali; tra gli altri, si ricordano: “Sol omnibus lucet” il volume che narra le vicende del progetto “Specchio di Viganella”; “Sulle orme di antichi passi”, un saggio che illustra i ritrovamenti litici del ricercatore Bruno Pavesi; “Don Remigio Biancossi”, vita e opere del poeta di Bognanco; “Oltre l’ignoto”, viaggio nella Valle Antrona Preistorica; “Ex devotione hominum terrae Vallis Antrona”, arte e devozione negli ex voto della Valle Antrona.
caratterizzate da colori materici ma vibranti e da una particolare ricerca astratto-informale. Pare, il suo, un viaggio nell’animo della vita alla ricerca di una luce, il viaggio in cui sembra trovarsi. I suoi quadri sono di grande libertà espressiva; sono atmosfere incantate, asfittiche come per mancanza d’aria; tuttavia, assai riflessive, un poco misteriose, istintuali poiché in esse si materializza, mostrandosi, la propria tempesta emotiva. Tracce cromatiche varie, tasselli armonicamente stesi con sensibilità delicata e sottile, producono diversi soggetti con toni a volte tenui a volte decisi; dai titoli, ispirati a fantasiosi incantesimi: “ruggini”, “tracce”, “notturni”, controluce”, “riflessi”. Certe forme - generate da un segno elegante e incisivo, unito a striature preziose o a tratti accesi, decisamente corposi - sono trasformate dall’autore in una visionarietà di immagini poetiche.
Il colore - che scorre liberamente in aree germinative generate da sinuose linee, larghi tratti di un flessuoso fluire - ha una particolare vibrazione che ce lo rende luminoso in disarmoniche forme geometriche, che permettono di accedere più agevolmente alle qualità strutturali dell’opera. Franco è un artista sostenuto e valorizzato da una approfondita, sicura, conoscenza della tecnica pittorica e compositiva. Il suo operare sulle tele, plastico e policromo, fra movimento e staticità, fra luce e ombra, non s’impone con mistificazioni sperimentali, ma entra nell’animo dei fruitori con forte vibrazione e come un’eco mistica che non si spegne. Queste visioni dipinte, queste deflagrazioni improvvise in spazi colorati, non possono che essere folgorazioni dell’inconscio, rapide intuizioni emozionali, che nessun computer riuscirà mai a produrre.
che ora si muove od ora sosta in un cosmo immaginario, proponendo a un osservatore attento soluzioni “invisibili” di innumerevoli elementi simbolici o emotivi. Come se l’artista cercasse, nell’istantaneo e nel fuggitivo, l’essenza: non l’effimero, ma la forma continua degli elementi primari - terra, aria, fuoco, acqua - in uno scorrere “eracliteo” che di attimo in attimo varia la sua linfa e che l’autore riesce a cogliere con esplosioni cromatiche, ora tenui ora materiche, a volte gioiose, altre volte malinconicamente introverse. Il racconto finale che Franco esprime in ogni opera è prodotto da un’illuminazione pittorica, da una grafia perturbante, che si incarica di concedere ordine al teatro intricato della umana comprensione.
per meglio specializzarsi nel proprio ramo di studi, sta frequentando l’ultimo anno all’Università “La Sapienza” di Roma, facoltà Design del prodotto) presenta la gestualità forte e prorompente di una colata lavica. Se i suoi quadri di paesaggio appaiono incandescenti, per quel loro accendersi e rigenerarsi dando forma estetica all’energia della natura, con cromie calde e solari tra cielo, terra e acqua, i volti che propone, al contrario, denotano l’inquietudine della coscienza umana di ogni individuo raffigurato, quasi fosse martoriato da forze interiori sconosciute. 
nel 1990 e nella sua città si è laureata all’Accademia delle Belle Arti in pittura e poi ha proseguito i suoi studi presso l’Istituto Europeo di Design a Firenze), ha uno spessore e una tangibilità poetica, nel riprendere scorci e angoli di vedute, poiché ella non si ferma al semplice aspetto visivo. Coglie pure, con movimenti di linee e forme figurali, la corposità magmatica dei suoi colori vivi e ribollenti, come se sgorgassero dalla profondità dei paesaggi dipinti. Ne sortiscono visioni sognate, forse improbabili nella realtà, tuttavia riconoscibili al vaglio di una surreale immaginazione, per la forza evocativa di questi scenari densi e popolati di sostanze ed elementi naturali o di strutture edificate dall’uomo. Ai fruitori, tali opere appaiono simili ad atmosfere cariche di energie potenti, con le quali l’autrice riesce a esprimere in modo sofferto il degradamento ambientale, qui inserito in una tessitura spaziale volutamente onirica.
Sono, però, i suoi ritratti spigolosi e deformati nell’espressione fisiognomica, a farci soprattutto riflettere, per quell’incisione segnica e cromatica, in cui esprime crudamente, ma anche con strazio introspettivo, l’apprensione angosciosa sua e di tutti quanti, attraverso i visi dei raffigurati, quasi maschere di tendenza tragico-grottesca. E sebbene sembrino appartenere a una dimensione atemporale, perché hanno perso i loro connotati realistici, mantengono un legame inscindibile con il presente.
alle sue illusioni – e qui ripreso con notevole causticità mascherante e con tonalità potente, che la giovane artista ben ha studiato e che sa usare con macerata efficacia. Possiamo così ammirare volti effigiati nella loro sorda angoscia che pare rimbombare attraverso la cortina dei colori: esseri chiusi in loro stessi, paiono soggiogati dal peso di una precaria condizione esistenziale, che li sommerge in un travaglio senza echi, travolgendoli e trascinandoli in uno smarrimento senza appigli, né certezze. Eppure è proprio questo lavoro di penetrazione psicologica dell’animo umano che offre un filo di speranza, in particolare nell’interpretazione in profondità della nostra percezione, della nostra coscienza, per trasferirla come fosse un racconto sulla tela, quasi in attesa di un’impollinazione cromatica della vita. In particolare, è nei loro occhi toccanti che spesso si possono cogliere espressioni addolcite d’energia vitale. In questo modo la forza prorompente di Zemfira, attraverso la sua intima ricerca figurativa, crea un’immagine, un pensiero, un concetto, che fanno prendere coscienza a noi delle nostre personali contraddizioni.
in questi mesi sta allestendo le prime personali) dipinge, a mio avviso, prima di tutto per un proprio motivo esistenziale e poi come punto di arrivo della sua passione per l’arte: ed è questo il senso che ne motiva la talentuosa attività di ricerca. Pertanto, la ritengo un’autentica e potente creatrice di immagini comunicative, testimoni del nostro tempo, sia nella resa estetica che contenutistica. È di questi giovani artisti – a cui lei appartiene – che abbiamo bisogno, perché con la loro pittura ancora fresca e poco contaminata dalle mode del contemporaneo, sono antenne e tentacoli con cui sentono la condizione ansiosa dell’umanità alienata e le comunicano il proprio tremore, la propria angoscia, da cui la nostra attuale società globalizzata non può liberarsi, se non svuotandosi del pessimismo lacerante che dentro l’attanaglia.
La poetessa Monica Zanon, classe 1982, ha una nipote che da bambina storpiava il nome della zia in Moca. Così Monica, quando pubblicò i suoi primi libri, l’ha utilizzato come pseudonimo, trasformandolo in Moka, come il nome della famosa caffettiera che usa sempre per prepararsi il caffè, nero come l’inchiostro, che beve a tutte le ore, soprattutto in quelle notturne. È di notte, infatti, che scrive, poiché di giorno lavora in una ditta di aeronautica a Reggio Emilia. In pratica gli elicotteri sono la sua seconda passione, fondamentale quanto la poesia, forse perché con entrambe, come lei stessa afferma, può volare. Subito dopo aggiunge <<Sono cresciuta sulla sponda piemontese del Lago Maggiore, a Solcio di Lesa, dove i miei genitori possiedono un’azienda agricola e adoro il paesaggio lacustre, tanto che il mio carattere si riflette in esso: ogni giorno è diverso dall’altro. In pratica, appena posso lascio la città in cui vivo e torno qui nella mia terra natale>>.![VUEN5423[1] z.JPG](http://pqlascintilla.files.wordpress.com/2019/09/vuen54231-z.jpg)
Giancarlo Fantini, ai cui quadri lei ha appeso di lato una serie di poesie. Ho avuto così l’occasione di leggere l’ultima sua silloge, ben curata tipograficamente, “Nella mia selva sgomenta la tigre” [“Le Mezzelane Casa Editrice” di Santa Maria Nuova (AN), con progetto grafico di Gaia Gicaloni]: <<In fondo alla radice dei tuoi sogni,/ dove si nasconde la tigre,/ là, nei tuoi occhi io ti vedo>>. Nella sua prefazione, Simone Santi ci introduce subito nella poesia di Monica Zanon, scrivendo <<Già nel suo incipit Moka ci invita a entrare nella “sua” selva, luogo che è già un “dove” letterario col suo carico di suggestive evocazioni dantesche, e al contempo e in senso più letterale che allegorico un “dove” interiore, all’interno del quale la poetessa traduce in espressione artistica il suo particolare “vedere” e “sentire” riguardo se stessa e il mondo che la circonda>>.
La raccolta propone versi incisivi, sia sotto l’aspetto lessicale che sintattico, ma al di là di un’abilità lirica e di un’agilità costruttiva, si avverte lo scorrere frenetico delle parole con cui l’autrice non riesce a nascondere un’ansia vorace per l’umana partecipazione al dolore del nostro destino: <<Non possiamo/ più cedere/ alla finzione:/ dal tubo catodico/ vediamo le bombe cadere/ giù/ e la gente muore/ davvero,/ ammassata nella fossa/ comune/ della memoria:/ attimo illusorio/ d’eternità>>.
![a964fc8e2f_2869510_med[1]](http://pqlascintilla.files.wordpress.com/2019/09/a964fc8e2f_2869510_med1.jpg)
salvarono dalla “catastrofe scolastica”: <<Ho avuto un buon rapporto con i libri solo quando non dovevo più leggerli per dovere>>. Fu il pittore Vivaldo Poli, ora scomparso, che intuì questa sua predisposizione naturale fin da bambino e gli insegnò a dipingere. Sebbene questo eccellente artista, ancora oggi, viene spontaneo associarlo solo ai “Nomadi”, gruppo musicale di cui fu fondatore a 16 anni, e leader fin che visse, confessava, esponendo le sue opere, che fin da bambino si era sempre interessato anche alle arti figurative. <<La musica la coltivo>> confidava, <<come mezzo sociale per comunicare con gli altri: ansie, rabbia, amore, idee e progetti. La pittura per scavare dentro me, per interrogarmi, per lo stupore, la meraviglia e il segreto>>.
teatro di Milano (in prima fila, grazie a una sua cugina che ai tempi lavorava con me) mi fece una strana impressione. Mi apparve subito come un grande professionista musicale, ma un personaggio fuori dal coro, un po’ distaccato da tutto e da tutti, con quel suo look vistosamente bizzarro, con quell’aura morbosamente cagionevole… al punto di immaginarmelo un genio “predestinato” a morire giovane. Eppure sprigionava la carica, l’entusiasmo, coinvolgenti, di chi sa interpretare, con intelligenza e passione, i sogni e le inquietudini dei giovani, pieni d’energia e innamorati della vita, come si era noi in quegli anni. <<Quella vita>> come scrisse poi sua moglie Rosanna Fantuzzi: <<che sentiamo ancora gli appartenga ogni volta che con una canzone, un dipinto o una poesia ci seduce>>.
Qui i dipinti di Daolio, che esprimono e comunicano gli stessi sentimenti ed emozioni della sua musica (e per me sono stati una piacevole sorpresa) hanno trovato la galleria prestigiosa, in grado di metterli in risalto con un nuovo respiro e una rinnovata energia, in cui ogni visitatore può trovare una personale interpretazione, perché come sostiene Rosanna Fantuzzi: <<Lui dipingeva quello che sentiva e voleva che fossero le persone, guardando i suoi quadri, a sentire qualcosa e a dargli un titolo. Era curioso di sapere cosa gli altri ci vedessero dentro scoprendo, grazie a loro, cose di cui lui non si era reso conto>>.
collettivo culturalmente diverso, impregnato di aspirazioni generazionali, per una società migliore, in un dialogo con la natura e con le emozioni umane. Diceva Augusto: <<…disegno “paesaggi spaesati” confusi nella mente, carpiti un po’ ovunque… in essi si nasconde l’uomo non sempre visibile, ma che sa mescolarsi alle cose, scambia i ruoli, diventa cavallo e albero, un gesto, una mano, occhi e l’infinito cielo come teatro, come messa in scena ideale>>. 
Le figure, eseguite con estrema meticolosità, ritraggono anche un mondo invisibile, reso visibile da uno spirito vivo, inquieto, forse romantico. Lo si nota, per esempio, nei molti alberi “umanizzati”, che paiono sul punto di essere strappati dalla terra con tutte le radici, forse da una forza energetica cosmica che li vuole salvare, per farli rivivere ecologicamente altrove. È la raggiunta consapevolezza di un artista che si misura con la creatività della sua mente e ne traccia i profili con vigore e rara intensità espressiva. Il suo naturalismo realistico (o realismo naturalistico) è traboccante anche di rupi, grotte misteriose, apparizioni di spiriti immateriali, agghiaccianti ma ariose vedute di vegetazione, boschi aggrovigliati, luoghi selvaggi e rocce che paiono rievocare forme antropomorfe, cieli solcati da nuvole inquiete, radici e arbusti avviluppati pronti a rinascere o a pietrificarsi.
cristallizzate in una poetica malinconia. Ovunque pare regnare provvisorietà, silenzio, solitudine, in un susseguirsi di vita e di morte. Sono, forse, tutte metafore allusive della nostra condizione e della sua ineluttabile solitudine; vaporose atmosfere di paesaggi irreali, somiglianti più che a un’oasi di pace, a un ricercato isolamento dalla civiltà, dagli altri. Le opere di Augusto Daolio a me sembrano testimoniare una convivenza tra uomo e paesaggio, per dar tregua alle ansie esistenziali e ai rovelli introspettivi di un animo profondo. Il tutto in quel suo bisogno di frantumare l’iconografia, quasi che l’immagine dell’essere umano possa emergere da improbabili rovine: sono scavi nel cuore, più che nella terra, capaci di dar forma ai sogni esistenziali.
<<Partiamo dal primo, “Sinuose Cavità”: gli orridi di Uriezzo. Guardando a casa le fotografie, sono stata catturata dal filmato e ho avuto modo di addentrarmi in uno spazio mistico: le immagini, infatti, si snodano come un percorso fisico, all’interno delle cavità, a cui, se vogliamo, corrisponde un percorso interiore. Cominciamo a muovere i primi passi tra le alte e imponenti pareti di roccia, gradualmente ci addentriamo nei vari antri scavati dall’acqua e osserviamo il millenario lavoro della stessa che ha lasciato netti i segni del suo passaggio, disegnando linee rette e curve, incidendo spigoli vivi e modellandone altri in forme più sinuose>>. 
<<Si nota, in particolare, il pavimento ricoperto di foglie ingiallite e trasportate dal vento e il contrasto che esse creano con il colore dei muschi - che ricoprono parti rocciose - e delle edere che reclamano un posto. Così, toni di grigio, giallo, verde si intrecciano in un’armoniosa tavolozza cromatica che l’occhio indaga con curiosità e nella sua ricerca è aiutato dalla luce che tenuemente scende a illuminare gli ambienti. Isolati in noi stessi, continuiamo il cammino verso l’uscita: ora il cielo si vede come una macchia di luce abbagliante in fondo alle rocce, e a questa segue l’ultima significativa immagine di una scala che ci apprestiamo a risalire. Con Pasqualini abbiamo compiuto un percorso di ricerca in noi stessi; scendendo nell’Orrido di Uriezzo, abbiamo scavato nella nostra interiorità per risalire poi in superficie arricchiti di una nuova esperienza>>.
Molti squarci della città sono sì riconoscibili, ma sono anche altro. Piazza Mercato, piazza Chiossi, piazza Fontana (con le loro case e negozi, con palazzo Silva, palazzo del municipio), via Briona, sono popolate di figure evanescenti, fluidi spiritelli che camminano leggeri sul selciato della strada. Alcune di queste figure incedono velocemente e, in particolare, in un’immagine due donne che avanzano sembrano caratterizzate da rapidi tocchi pittorici alla maniera di Boldini. Ma si tratta solo di un rimando ai macchiaioli. In fondo Mario con il suo filmato non ha intenzione di aderire ad una corrente pittorica, ma dimostra che è possibile ottenere effetti pittorici nella fotografia. La prevalenza della linearità verticale si esprime in tremuli filamenti con cui sono resi le braccia e le gambe delle persone, gli esili tronchi di una fila di alberi, alcuni spigoli di edifici, il filo d’acqua della fontana dell’omonima piazza… E proprio in essa si mostra la scena di una donna vestita di rosso che gira intorno alla fontana, ed è talmente aerea da attraversare il monumento stesso. Si assiste a una sorta di compenetrazione dei solidi che genera in noi un’impressione di meraviglia, perché la nostra mente subisce il fascino dell’inganno>>.
sfumature che riguardano un sottobosco incantato e incantevole: incantato perché sembra di trovarsi in uno spazio magico e di vedere spuntare da un momento all’altro qualche creatura fantastica; incantevole perché ci affascina con la sua poesia, con la sua capacità di suggestionare. Si va dalla rappresentazione di delicati fiori lievemente piegati in avanti, accarezzati da una leggera brezza, ad altri che, dritti, “impettiti”, provano ad emergere dall’erba bassa alla ricerca di un raggio di sole - come nel caso di un crocus che fa capolino -, a quelli più bizzarri che fanno delle evoluzioni sul loro stelo, ad altri che, accolti in piccoli gruppi, “chiacchierano” tra di loro, all’elegante anemone che “si alza sulle punte” come una ballerina… Ma la vera novità della rappresentazione consiste nel rapporto tra la messa a fuoco e lo sfuocato. Infatti, tutti gli scatti sono caratterizzati da uno sfuocato vibrante, mai piatto, ottenuto con degli obbiettivi particolari>>.
andato prima nella chiesa di Baceno, dove ho scattato qualche foto agli interni e successivamente nei poco distanti orridi di Uriezzo. Qui, forse perché mi sono trovato completamente solo per l’assenza di turisti e visitatori, forse perché ancora pervaso dall’atmosfera mistica della chiesa di Baceno, ho visto le gole e gli anfratti con occhi diversi; mi sembrava di essere in un altro luogo sacro e, complice il silenzio totale, ho pensato di provare a tradurre la mia emozione in immagini. Sempre per sottolineare il mistero e la suggestione di questo posto, nell’audiovisivo che presento ho inserito una colonna sonora particolare e semisconosciuta, tratta da un grande film crudo e drammatico>>.
<<Sì, ho adottato la tecnica ICM (Intentional Camera Movement) che ho già usato per fuochi artificiali e scorci paesaggistici; questi ultimi, dopo la presentazione alla Cinefoto dell’audiovisivo intitolato “Boschi dipinti”, hanno dato vita a una mostra nello Spazio Gallery dello Studio Quadra a Domodossola. In “Domomossola” i soggetti ripresi con la tecnica del mosso intenzionale sono scorci della nostra città, forse da guardare con occhio più pittorico che fotografico>>.
<<La caratteristica di queste immagini consiste nel particolare sfocato che circonda i fiori - forse il vero soggetto è proprio lo sfocato e non i fiori - ottenuto non con l’utilizzo dei tradizionali obiettivi “macro” che ultimamente mi limito a spolverare di tanto in tanto poiché giacciono inutilizzati nel mobile delle attrezzature fotografiche, ma con obiettivi cosiddetti “vintage” perché prodotti decenni fa, obiettivi attualmente molto richiesti, che per le loro caratteristiche costruttive, se adeguatamente utilizzati, regalano sfocature molto meno banali di quelle dei tradizionali obiettivi macro>>.
<<Sono molto riconoscente a mio cugino Crescenzio Continanza per avermi inviato il primo documento, ripreso da un testo del prestigioso storico lucano Tommaso Pedio, su cui ho potuto cominciare a lavorare. Esprimo nello stesso tempo tanta gratitudine al mio amico Paolo Magaldi per avermi gentilmente donato il testo fotocopiato del libretto intitolato: “Alla memoria dell’avvocato Niccola Maria Magaldi”, riportante scritti di autori vari. Mi è stato utile per impostare e sviluppare le linee generali dell’elaborato. Come avrai letto, all’interno della mia prefazione al saggio, ringrazio poi, nominandole, le tante persone che mi hanno aiutato nelle ricerche, fornito documentazioni importanti o utili consigli per portare a termine il lavoro>>.
professore d’inglese, che è preoccupato per il suo futuro, in quanto costretto a vivere una condizione di precarietà per i continui cambiamenti di scuola, essendo ancora un supplente. Gli sono di conforto, comunque, la comprensione dei genitori (i quali vivono con serenità, ma non senza apprensione, il dramma occupazionale del figlio, alla ricerca frenetica di una cattedra fissa), degli amici (a cui purtroppo tocca di vivere la stessa situazione incerta) e soprattutto della fidanzata (la quale, in parte, gli allevia la personale frustrazione per quel “nomadismo” didattico che caratterizza la sua vita professionale e che non gli consente di vedere i frutti della propria attività). In una recensione sul testo, apparsa su Eco Risveglio Ossolano, così concludevo: in definitiva, una commedia, questa di Giuseppe Aloisio - Pino per gli amici – scritta con attenzione e sottile arguzia, oltre che con estremo rispetto e solidarietà per le preoccupazioni altrui, per le loro incertezze sul futuro e per le difficoltà a realizzare subito scelte personali di vita. Inquietudini presentate, nondimeno, dall’autore (anche per averle provate) con solidarietà e con fondamenti etico-didattici.
ricordi di me? Sono Sebastiano Parasiliti. Parecchi anni fa, in occasione di una mostra a Palazzo S. Francesco di Domodossola, hai recensito su “Eco-Risveglio Ossolano” l’esposizione>>. Lo riconobbi subito, ma rimasi ovviamente sorpreso che fosse lui Seba. Non lo incontravo più da una decina d’anni, da quando tornò in Sicilia. Fu naturale per lui, in quel momento, rievocare i trascorsi domesi: <<Vivo ed opero a Piano Tavola, in provincia di Catania>> mi disse, <<ma non ho mai scordato i tredici anni passati in Ossola e le esperienze avute in pittura facendo parte del G.A.O. (Gruppo Artisti Ossolani), oltre quelle di vita artistica frequentando gli ambienti locali. Con Domodossola non ho mai rotto i rapporti; di tanto in tanto ci ritorno per trovare i parenti e anche gli amici. Posso affermare con orgoglio che quel lungo soggiorno mi fa sentire un po’ domese>>. 
In quegli anni ossolani, da lui considerati di grande apprendistato e un terreno fertile per le sue potenzialità che altrimenti non sarebbero emerse, Sebastiano Parasiliti visita alcune mostre importanti che lo colpiscono, come quella di Sironi a Milano nel 1985 o quella sugli anni Trenta in Italia e in particolare quella degli Espressionisti Tedeschi del museo Sprengel di Hannover. Spiritualmente, sempre negli anni Ottanta - ma poi anche successivamente - si sente molto vicino a Richter, a Rauschenberg, in particolare a Kurt Schwitters, oltre ai pittori della Brucke o a quelli dell’informale, come Afro, Vedova e altri. Mosso da una sempre maggiore curiosità espressiva, dopo un primo approccio a paesaggi e nature morte di stile espressionista, si dedica anche all’arte astratto-informale, che per altro persegue ancora oggi.
diventare specchio della vita quotidiana, sebbene si tratti di uno specchio particolare, perché dietro l’apparente indifferenza con cui le immagini sono colte e percepite, si annida anche l’offerta di una più profonda visione del mondo”, come scrisse il noto critico Lucio Barbera presentando il catalogo di Seba distribuito in quella mostra. In effetti, le sue tele ci spingono a meditare, con quei paesaggi “urbani”, chiusi e quasi senza speranza che fanno pensare alla solitudine dell’individuo, vittima di una società soffocante. Inoltre, l’aria degli ambienti pare resa asfittica nell’elaborazione pittorica - fotografica - computerizzata, e crea tensioni, attese, contrasti, silenzi, che sprigionano tutto il malessere dell’attuale realtà metropolitana.
“L’Uomo Ragno”; leggeva anche i fumetti del “Grande Blek”, “Capitan Miki”, “Zagor”. Un avvenimento triste che lo ha segnato molto è stata la morte di un fratello nel 1964. A scuola era bravo, soprattutto nelle materie letterarie, ma non è andato oltre la licenza media, sebbene fosse portato per lo studio, perché la famiglia aveva bisogno del suo aiuto (nonostante tutto, molti anni dopo riuscì a diplomarsi). Fu avviato al lavoro edilizio e l’episodio che forse determinò la sua passione per l’arte accadde una mattina a Catania, ma ascoltiamolo da lui: <<Mi trovavo su un autobus, potevo avere 15 anni, e mi stavo recando al duro lavoro quotidiano. Davanti alla piazza della stazione c’è una fontana con un gruppo scultoreo di fine Ottocento, attorno alla quale c’era una scolaresca di ragazzi della mia età, intenti a raffigurare quello scorcio sui loro grandi album da disegno. Non nascondo che in quel momento li ho invidiati e mi chiedevo: perché non posso essere con loro? Perché sono già costretto a lavorare? Allora la cosa mi sembrò profondamente ingiusta. Forse proprio quel giorno è sbocciato in me il desiderio di diventare anch’io pittore. Qualche anno dopo, per motivi di lavoro mi ritrovai all’Isola d’Elba. Lì ho letto uno dei miei primi libri dal titolo “Primo in cordata”, di cui non ricordo l’autore. Poi seguirono i romanzi di Kafka, le poesie di Lorca; un volume, però, mi colpì in modo particolare in quegli anni, per la libertà individuale che si respirava tra le pagine: “Sulla strada” di Jack Kerouac. Per me si trattava di un mondo assolutamente nuovo, poiché a casa mia non c’erano né libri né quadri. Così ho cominciato, con i soldi che guadagnavo, a comprarmi alcune pubblicazioni che leggevo avidamente. Nel 1979 per lavoro fui mandato a Domodossola, dove conobbi mia moglie. Nel 1983 mi sono sposato e nel 1991 sono tornato, con la famiglia, a vivere in Sicilia>>. 
locali, nel 1983 entra nel G.A.O. (Gruppo Artisti Ossolani), appena costituito e dove aderiscono artisti di tutte le età. <<Io partecipavo ad ogni iniziativa e ai dibattiti del gruppo>> afferma Sebastiano, “<<ma era un ambiente molto chiuso alle idee nuove; infatti, la maggior parte degli iscritti erano paesaggisti tradizionali. C’era anche qualche eccezione, come l’amico Tiziano Corzani o la Paca, con i quali andavamo spesso a visitare le grandi mostre e le fiere d’arte, che in quegli anni si susseguivano in molte città. Ricordo con nostalgia anche i pomeriggi di sabato trascorsi nei bar di Domodossola - assieme a Tiziano Corzani - a discutere d’arte o nello studio di Marco Vinicio, altro artista e amico di cui condivido molte idee. È da lui che ho conosciuto le opere di Franco Rasma, un maestro cui sicuramente devo qualcosa>>. 
elaborati dal punto di vista tecnico, in quanto utilizza l’olio, il carboncino, i pastelli, l’acquaragia, emulsioni varie, e che alcuni critici definiscono “Bitumi”, forse perché molto scuri. Parallelamente, dal 1999 sta lavorando anche a una nuova produzione artistica. Egli – avvertendo il bisogno di confrontarsi nel proprio tempo con rinnovate forme espressive, dove l’ordine pare scompigliato da uno sfocato in bianco e nero – ci trasmette un’inquietudine emozionale, attraverso periferie urbane, oggetti del quotidiano, volti onirici, immagini virtuali, che ci proiettano entro le frontiere di un universo, dove i contenuti e le forme hanno una forte risonanza interiore.
Messina, dal titolo “Favolosi anni ’60”, con la presenza di noti artisti, come Mimmo Rotella, Emilio Tadini, Concetto Pozzati, Mark Kostabi e molti altri. Nel marzo del 2002, l’Amministrazione Comunale di Misterbianco gli organizza una personale nella “Galleria Civica”, con la pubblicazione del catalogo “Giorno per giorno”, a cura del Prof. Dario Gnemmi, che ha avuto un vasto successo di critica e di pubblico, come del resto quelle precedenti, allestite a Milano e a Messina. Nell’agosto del 2002 è stato invitato a partecipare a una collettiva sempre nella “Galleria Civica” di Misterbianco, organizzata e patrocinata dalla Provincia di Catania e curata da Giuseppe Condorelli e Loretto Rafanelli. Di questi ultimi anni ricordiamo le importanti antologiche al “Laborart” di Piedimulera, al “Castello” di Vogogna e a “Palazzo Mellerio” di Domodossola, a cui hanno fatto seguito le mostre a “Palazzo Minoriti” e allo “Spazio d’Arte Angela Vinci” di Catania; alla “Galleria Civico 111” di Gela; alla “Galleria Caffè Letterario” di Cefalù (PA). E’ da anni segnalato dalla critica e inserito con un’esaustiva scheda personale nel CAM (Catalogo dell’Arte Moderna – Ed. Giorgio Mondadori-Gruppo Cairo).
presuppone una progettazione iniziale, ma si attua per istinto gestuale direttamente sui supporti da dipingere. Ne nascono creazioni passionali e fulminee, con effetti di passaggi che avvengono d’impulso e senza riflessioni. La sua decisione di esprimere i propri sentimenti attraverso l’astratto è sorta dal desiderio di non avere limiti, di non sottostare a regole esterne o condizionamenti. Nei suoi quadri - condensazioni di stati d’animo o di energie cromatiche poeticamente profonde - sembra di scorgere paesaggi inconsci appena percepiti; linee di orizzonti tra mare, terra e cielo; nuvole distese o onde in agitazione; mentre i colori appaiono scuri e tormentati in alcune vedute, in altre le cromie sono a tinte meno cupe, divenendo quasi vivaci e trasparenti. Interessante è scoprire l’artista attraverso le tracce del suo lungo percorso che lo ha portato a una propria maturità espressiva, avvertibile nelle sensazioni pure e palpitanti che la sua pittura comunica con colori intensi e vivi d’azzurro, di rosso, di un’ampia gamma di ocra, a rappresentare, quasi invisibili, mari, spiagge, cieli, montagne ed esplosioni vulcaniche, sfruttando sfumature di luci, gradazioni tonali e impasti dosatissimi, precisi. Questa pittura di Parasiliti si manifesta appunto mediante il colore, inteso come proiezione di sensazioni, di pensieri interiori, in cui è evidente un tessuto di sensibilità, cultura ed esplosive emozioni.
giallo. E’ una periferia buia, colta prima dell’alba o al crepuscolo, tutta giocata sui grigi e sui neri. Sul potere evocativo della macchia. Che si impasta sulla tela e sembra possa sporcare le mani di chi la tocca. Come lo smog e i gas di scarico delle auto si impastano in solide nuvole nere sui muri e sugli alberi. Eppure i dipinti di Seba non vogliono essere una denuncia. Il suo scopo è quello di scovare la poesia sotto l’abbrutimento della città moderna>>. <<Per vivere bisogna imparare a trovare la bellezza in tutto quello che si vede. Anche in ciò che si incontra ogni giorno e spesso ci si dimentica di guardare. O, quando lo si guarda, a prima vista può sembrare triste, desolante>>, afferma Parasiliti. Lui il bello l’ha visto nelle periferie urbane. Quelle del Nord, dove ha lavorato per tanti anni, a Domodossola, e quelle del Sud, della sua Sicilia, dove è nato e dove è tornato quando la sua professione è diventata la pittura. Innamorato delle fotografie in bianco e nero (<<Mi piacciono le visioni di Gabriele Basilico>>, dice) come della pittura di fine Ottocento, da Fontanesi a Grubicy, Parasiliti ha trovato il modo di declinare la tecnica moderna in quel linguaggio intriso di romanticismo. Fotografa ciò che colpisce la sua fantasia, rielabora lo scatto al computer e poi usa il risultato come modello per le sue tecniche miste (olio e acrilico) su tela. Per lo più piccoli formati, con il sapore dell’album fotografico, dove i contorni sfumati degli oggetti, che sembrano talvolta prolungarsi nell’ambiente e fondersi con esso, danno un’idea di movimento, di velocità, come di immagini colte dal finestrino di un treno in corsa.
fabbriche dismesse. Ma anche luoghi, passaggi e tranches de vie che hanno la forza di far cadere ogni barriera tra l’arte e la quotidianità. Ecco il tratto tipico di Sebastiano Parasiliti, artista impegnato a fermare su tela i simboli di una società postindustriale, il dramma di tante solitudini, e le inquietudini di una società opulenta ma povera di spirito…>> (Cinzia Ciavirella). <<Questi asfalti fluorescenti di una tangenziale sotto la pioggia, lo scroscio di luci di sagome meccaniche ed umane indistinte – il perfetto nulla dei nostri territori metropolitani, rodeo luminescente e metallico delle vetture e dei loro profili sfocati – non rappresentano una “regressione del pennello ad obiettivo” al contrario evidenziano proprio l’operazione opposta; quelle periferie sembrano in altri termini dire “io” attraverso la rielaborazione tecnico/pittorica di Seba: in questo senso costituiscono “narrazione” ovverosia autonomia “coscienziale” rispetto alla mera riproduzione meccanica; al contempo storia personalissima e universale del paesaggio dall’utopia urbana alla sua negazione, identificazione dello spazio come snodo centrale dell’esperienza del mondo, legame “dipendente” in grado però di creare identità…>> (Giuseppe Condorelli). <<…Seba coglie le periferie algide e spoglie delle oniriche visioni urbane e suburbane che caratterizzano certa riflessione sironiana, e sono in realtà degli stati d’animo virtuali, perché percepiti attraverso la coscienza, ma ne incrocia le misteriose derivate con contorni specifici, aderenti al flusso del vivere, quindi reali>> scrive, tra l’altro, lo storico dell’arte Dario Gnemmi, che conclude: <<…L’ellissi di pensiero che attraversa l’opera di Seba, sembra così avere uno dei suoi fuochi in quella che ci piace definire come una voluta, perseguita inidentificazione hopperiana. Al contrario di Hopper, Seba traccia i contorni del
vero, letto e vissuto come scaglia cronologica, scintilla incandescente e perciò bruciante dell’esserci (dasein) di heideggeriana memoria>>. Lo scritore Gianni Longo, nel suo libro “Lasciami almeno un sogno" (Curcio Editore) annota a proposito dell’artista <<Sebastiano Parasiliti ha l’arte di cogliere e di conoscere il criterio delle cose, ha l’arte di appropriarsi e di adattare le più diverse esperienze acquisite e sonda tutti i pensieri che il reale e il possibile risvegliano in lui. La sua pittura non è classica, né romantica e neppure moderna; è tutte queste cose messe insieme, o per meglio dire, fra tradizione e modernità, tra passato e presente, tra figurativo e astratto>>.
forse, un po’ polemica. Se la parola “stile” viene intesa come coerenza temporale del mio modo di dipingere, allora credo che non si adatti al mio lavoro, visto che sono interessato a diversi modi di intendere la pittura. Il “mio stile” è un’espressione che mi piace poco, perché in qualche modo cerca di incapsularti in questa o in quella scuola. Forse oggi, il vero “stile” è di non possederne uno: siamo talmente bombardati da immagini d’ogni tipo, da avere la mente sottoposta a un’infinità di stimoli visivi, in cui poter stabilire, di volta in volta, quelle che più interessano. Oggi, abbiamo la libertà di poter scegliere: quindi, parlerei di preferenze pittoriche o tecniche. Nel mio caso, la scelta è caduta sulla fotografia, che in questi anni è diventata sempre più importante e che, in ogni caso, resta il mezzo migliore per catturare l’istante. Mi ha sempre affascinato la bellezza sprigionata dalle foto in bianco e nero dei grandi fotografi. Oggi, entri in una mostra e puoi trovare opere dello stesso autore sia astratte che figurative, come puoi trovare installazioni o foto, magari eseguite nello stesso periodo: la coerenza dello “stile” non è più un valore assoluto, come un tempo. Quello che conta, in fondo, è la qualità intrinseca dell’opera e l’originalità del lavoro>>. 
credo, comunque, che Cattelan sia un artista molto valido e, per certi versi, geniale. Personalmente, sono contro coloro che danno la pittura per spacciata, perché fin che esisterà l’uomo, ne sono convinto, ci sarà la pittura. In qualche modo, essa è la “carne” dell’uomo: nessuna opera virtuale, infatti, potrà mai dare la sensazione che si prova a guardare e toccare un dipinto; l’odore stesso dei colori a olio sprigiona emozioni, che nessuna macchina fotografica potrà mai fornire. Ben vengano le Installazioni, la Video-Art, la Computer-Art, quando queste tendenze, nel tentativo di emergere, portano con sé un punto di novità. È, infatti, questo il bello dell’arte: esprimere cose nuove con strumenti anche antichi (come la pittura) o moderni (come il computer), ma con una visione del mondo assolutamente inedita. Il pericolo per l’arte è di scadere nella banalità o, come dicevo prima, nello scandalo fine a sé stesso. C’è sempre un limite che non si può attraversare: quello che ci distingue dagli altri animali è la capacità di sublimare anche le pulsioni più profonde e inconfessabili>>. 
letterari? Poche volte e quando lo fanno mi sembra che privilegino gli aspetti commerciali e di sponsorizzazione, a quelli culturali. Inoltre, quelle poche volte che la TV propone qualche interessante servizio su un grande artista, lo relega a orari impossibili, a meno che non si tratti dell’ultima stratosferica quotazione raggiunta dai quadri di Picasso, Modigliani e dei soliti noti. Eppure, se ci guardiamo attorno i grandi pittori hanno influenzato e influenzano le nostre vite. Per restare in tema, proviamo a pensare per un attimo ai vari siparietti pubblicitari che le TV mandavano in onda qualche tempo fa, ispirati a Kandinskij, Klee, Mirò e altri astrattisti o a quella famosa azienda cosmetica che nei suoi “spot” strizzava l’occhio in modo plateale ai quadri di Mondrian. Eppure, pochi spettatori sanno che molti stacchi pubblicitari traggono ispirazione dalle opere di grandi artisti. Per questo considero la TV una cattiva maestra, perché non sa educare il suo pubblico in modo adeguato. Vogliamo trovare un colpevole? Si chiama audience. Quanta percentuale di share, infatti, potrebbe ottenere una trasmissione sull’Informale o sulla Pop Art? L’1 o il 2 percento a essere ottimisti. Lo stesso ragionamento si può applicare anche ad altre tematiche che la TV tratta raramente e comunque in modo non approfondito, perché dietro c’è il dio Audience = Denaro, sempre in agguato>>. 
tutti: auto, paesaggi urbani, segnali stradali, periferie etc. Ho pensato che sarebbe stato meglio ritornare a una pittura più di getto, meno studiata, più sincera. Dico ritornare, perché già anni prima avevo dipinto qualcosa di simile, poche opere, però, in un’accezione più astratta e meno evocativa. Ripeto spesso che in quel periodo ho alzato gli occhi al cielo, osservando la bellezza del gioco delle nuvole sul paesaggio marino o terrestre. Credo che il fatto di essere nato e vissuto alle pendici del vulcano Etna ha pesato molto su questa scelta. Nella mia infanzia e adolescenza non c’erano prati verdi, ma pietra lavica, basalto, pietra che noi siciliani di quella zona chiamiamo “Sciara”. La Sciara era il mio campo di gioco. Questo “nero” o la terra bruciata color rame delle “cave di lava” della pietra etnea o ancora il rosso abbagliante delle colate laviche, è dentro la mia anima. Dico spesso che il mio dipingere ha a che fare con la persistenza della memoria, e quindi con i ricordi che non sono solo quelli del mio paesaggio siciliano, ma hanno radici pure nei ricordi dei miei viaggi o dei soggiorni in varie località. Infatti, molti dei miei quadri hanno come titolo il nome delle località che ho visitato o in cui ho vissuto, oppure da esperienze visive o emozionali avute in quei luoghi. In questo contesto non va dimenticato il trascorso lavorativo, negli anni Ottanta e per quasi tre lustri, in Val d’Ossola. E dal 2013 la mia esistenza, per svariati motivi, si divide tra la Sicilia e il Piemonte. Sono molto legato a queste Regioni che di conseguenza sono diventate soggetto anche dei miei dipinti. Come ricordavo, i miei lavori sono evocativi, ma a volte rasentano l’astrazione, il soggetto è talmente poco percepibile da essere quasi inesistente a un primo sguardo, magari troppo sommario dell’opera, di conseguenza il titolo dei quadri è molto importante come chiave di lettura degli stessi>>. 
CONCLUSIONI: