Anche in questo nuovo libro di Eugenio Giudici (“L’uomo che non amava il Rex”, il sesto della "Suite Di Matteo"), il “giallo” costituisce il lievito delle sue pagine, sebbene apparentemente l’intrigante trama, rispetto ai precedenti, abbia meno suspence nell’evolversi dell’azione e del finale. Qui, però, l’autore costruisce la storia con perfetto stile letterario, soffermandosi di più sugli elementi reali e sulle emozioni o sui sentimenti possibili nel clima rarefatto di una breve crociera degli anni Trenta (per la precisione, siamo nel settembre del 1932). Credo che in pochi romanzi, ormai, gli scrittori riescano a utilizzare un ritmo così elevato di composizione, usando i termini peculiari e forbiti nel descrivere sia gli avvenimenti che gli ambienti in cui si svolgono i fatti, tenendo sempre vivo l’interesse del lettore con digressioni fantasiose e intrecci originali.
Il transatlantico Rex, orgoglio della marineria italiana e genovese, partirà di lì a poco per il suo viaggio inaugurale con l’ambizione di conquistare subito il Nastro Azzurro. Occorre una minicrociera per collaudarlo, ma una minaccia incombe sulla nave e di conseguenza su passeggeri ed equipaggio.
Al commissario Saro Di Matteo e ad alcuni suoi collaboratori viene concessa una gita premio. Si uniscono così agli altri ospiti, con l’intento di indagare in segreto per impedire un probabile attentato, di cui si sospetta. A bordo c’è un’aria di divertimento e lusso, di vacanza mondana con incontri eccitanti, ma pure drammatici. Impossibile per Di Matteo e la sua squadra godere di quella inaspettata vacanza, anche perché i sospettati sono diversi e gli indizi pochi. Inoltre, qualcuno nell’ombra sta in agguato, per far fallire i suoi piani. E chi mai potrebbe nascondersi dietro l’uomo che non amava il Rex?
Eugenio Giudici, per completare questo romanzo, ha consultato documenti specifici, ha
interpellato persone attinenti con il mondo che ha descritto, come confida lui stesso: <<Sono salito sul Rex attraverso le fantastiche illustrazioni di Edina Altara… la Fondazione Ansaldo mi ha messo a disposizione materiale introvabile, come fotografie della sala macchine, delle caldaie, dei giganteschi turboriduttori ecc. Ho ascoltato anche, e mi sono piaciuti, i racconti di Zeffiro Rossi, capitano di macchina e medaglia d’oro di lunga navigazione, sulla vita di bordo, la passione marinaresca per le parti riposte e segrete come la centrale termica e i tunnel degli assi “sempre ben ingrassati”, dove solo i marinai potevano accedere…>>.
Infine, per come lo conosco io, l’autore ha saputo amalgamare tutte le sue esperienze di vita in un intenso racconto umano, percorso e come sorretto da una vibrazione lirica che dona lievità e morbidezza inconfondibile al suo stile. Ne è nato così un lavoro più singolare, pur tra i suoi numerosi libri, tutti di ottimo livello culturale, soprattutto di fronte alla letteratura d’evasione di questi anni. Egli possiede il dono di un tocco leggero, che conferisce, anche alle situazioni più realistiche o drammatiche, un’aria d’incanto e alla sua prosa sa infondere le cadenze di un ritmo “geniale” (sebbene, forse, il suo capolavoro sia il libro uscito in contemporanea: “Il sarto di Crema”, un imponente romanzo storico, pubblicato da Castelvecchi, che racconta la vicenda ricca di passioni amorose e la formazione illuministica del giovane Paolo Ghedi, poi impiccato dagli austriaci nel 1816 e rimasto nella memoria popolare come un bandito leggendario).
In tempo di consumismo anche letterario, Giudici è uno scrittore creativo e scorrevole, pure nei dialoghi vivi e culturalmente pregni dei personaggi; egli ci da opere riuscite di piacevole e interessante lettura, confermandosi tra le voci più autentiche della narrativa poliziesca contemporanea (è stato tra i 3 finalisti al Premio Fedeli, dedicato al Giallo e ha ottenuto altri importanti riconoscimenti).
Giuseppe Possa
Ricordo che tempo addietro, su suggerimento di un’amica che ne lodava l’abilità tecnica, mi recai da lei per constatarlo di persona. Appena entrato in casa, fui subito “attorniato” dai gatti… raffigurati nelle tele appese alle pareti! Essi possedevano una bellezza virtuosistica che parevano caricare di stimoli narrativi anche gli oggetti familiari di uso quotidiano, che Grazia aveva per lo più adornato con vivaci cromie. Pure le altre opere con i fiori e i volti di persone, create con minuziosità poetica, facevano bella mostra di sé all’interno di cornici semplici, ma riccamente colorate da lei stessa. Fu in quell’occasione che gli suggerii di allestire una mostra con quei quadri figurativi così precisi da sfiorare la perfezione, ma nel contempo trasfigurati. Tali creazioni magiche o trasognate, furono poi oggetto di una personale a Graglia di Baceno, intitolate “D di Donna”.
Grazia Motetta è nata nel 1959 a Domodossola, dove vive e svolge la propria attività professionale in campo riabilitativo infantile. È stata iscritta al “Gruppo Quantarte” di Domodossola. Il suo stile ha subito nel tempo alcuni cambiamenti, perché come lei stessa afferma: <<La mia indole mi ha sempre spinto a sperimentare in continuazione: dall’iperrealismo all’impressionismo, fino a un mix di queste ricerche con la pop-art>> e conclude, <<i miei contenuti, colori, messaggi, sono cambiati nel corso degli anni e testimoniano un percorso interiore importante per me. Libertà, creatività, curiosità, sono i miei stimoli principali. I soggetti che prediligo? I volti. Che programma ho per il futuro? Continuare a dipingere e creare>>.
forma estremamente solare, graffiata da segni e simboli riconducibili all’artista, che scompone, riduce o taglia il disegno con screziature vagamente siderali, nell’iconografia e nelle scelte cromatiche. Entro questi spazi cosmici appaiono figure femminili, con donne incinte che fluttuano, in un alone mistico, nel travaglio di mondi interplanetari o volutamente e simbolicamente rappresentate senza capo, perché ormai si ragiona solo con la testa, mentre l’artista si auspica un’epoca in cui si ragionerà con il cuore. Il fascino dei soggetti è marcato con il corpo delle figure trattato quasi come un manichino, descritto nella sua dimensione come fosse un oggetto.
Con trent’anni di esperienze personali, dopo il liceo artistico e una decennale freq
<<I miei periodi pittorici sono stati vari: ho iniziato dipingendo paesaggi, nature morte, figure. Ma la mia passione per il cosmo infinito mi ha portato a creare dei cicli che considero un tutt’uno con il percorso “diagnostico universale”. Indico gli ultimi cicli più importanti: “La nuova era” (2015); “Lo sguardo dell’anima” (2016); “Il pensiero filosofico di come Giordano Bruno rappresentava l’universo e la magia” (2018); “Souls” (2019), “Il pianeta delle donne” e “Il risveglio” (2019-2020)>>.
<<I miei quadri oggi nascono con dei progetti ben definiti e soprattutto di ricerca continua; raccontano i miei mondi e universi interiori.>>.
<<Le Mostre più importanti e i premi sicuramente sono stati: Premio Internazionale Comunicare l’Europa 2016, Camera dei Deputati, Roma; Impronte tracce segni linguaggi, Casa Museo Spazio Tadini, Milano; Il labirinto dell’ipnotista, Palazzo Gallio, Gravedona (CO), evento ideato e curato da Giammarco Puntelli; Spoleto Arte, a cura di Vittorio Sgarbi, Spoleto; L’Eternità nell’arte, evento del Giubileo della Misericordia, presso la Basilica dei Santi Quattro Coronati, a Roma, direzione artistica di Giammarco Puntelli. Sempre nel 2016 ho ricevuto il Premio come miglior Artista a Palazzo Cerere, Roma curata da Daniele Radini Tedeschi Marco Grilli. Personale Antologica opere da 1992 /2017 nel Palazzo Ducale di Sabbioneta, alla Galleria Pall Mall di Londra, alla Naive e Sebastian Art Gallery di Dubrovnik. Vinci, 
(CO), evento ideato e curato da Giammarco Puntelli; Spoleto Arte, a cura di Vittorio Sgarbi, Spoleto; L’Eternità nell’arte, evento del Giubileo della Misericordia, presso la Basilica dei Santi Quattro Coronati, a Roma, direzione artistica di Giammarco Puntelli. Sempre nel 2016 ha ricevuto il Premio Miglior Artista, a Palazzo Cerere, Roma, curata da Marco Grilli e Daniele Radini Tedeschi. Nel 2017 ha partecipato alla Master Class di Infinity con mostre nel Palazzo Ducale di Sabbioneta, alla Galleria Pall Mall di Londra, alla Naive e Sebastian Art Gallery di Dubrovnik. Nel 2018 sue opere sono state selezionate per le direzioni artistiche Genius. Il codice della mente incontra l’Arte e Pace e Amore. Il suo lavoro è oggetto di varie pubblicazioni: Catalogo dell’Arte Moderna - Gli artisti italiani dal primo Novecento ad oggi - dell’Editoriale Giorgio Mondadori (n. 51, n. 52, n. 53, n. 54, n. 55) e le collane: Le Scelte di Puntelli e Profili d’Artista sempre editi dalla Giorgio Mondadori.
<<Contempla un orizzonte messianico, nell’attesa di una nuova età dell’oro in cui amore e generosità di spirito trionferanno, l’arte solare e sintetic
dell’infinito. Riteniamo che tutti i visitatori resteranno positivamente coinvolti e intimamente sbalorditi dalla forte carica espressiva dei suo colori tra cui dominavano il rosso e il blu, trattati con tale intensità da apparire fluidi organici. E molti si troveranno di fronte alla scoperta di emozioni che si materializzano, nella fisicità della pittura, per svelare l’agitazione del sangue e la tempesta dei sentimenti. Si può dunque considerare questa antologica un’occasione di interesse particolarissimo, in cui, tra la scoperta di opere note e di altre mai viste prima, si può comprendere ed esplorare, nelle più diverse e originali angolazioni, il complesso rapporto tra l’artista e il suo sentire, nell’intensità delle sue riflessioni personali e culturali. E che cos’è tutto questo se non energia e nutrimento per l’anima>> 
professionalità, dove si tengono corsi e laboratori di arte, per adulti, ragazzi e bambini. In questi ultimi periodi, in occasioni particolari, lo spazio diventa anche espositivo o a disposizione per proposte diverse interessanti [per esempio, a novembre si sono svolti due incontri dal titolo “Il mondo dorato delle cornici” (tenuti dal restauratore verbanese Peter Ratti), a marzo è in programma una serata dal titolo “La sezione aurea, espressione aritmetica della bellezza” (a cura dell’artista Alessandro Giozza); a maggio si parlerà de “Il mondo dell’arte” (con il maestro Gilberto Carpo)]. Il VCO si arricchisce così di un luogo nuovo e particolare per fare cultura. Michela, oltre ad essere impegnata con la Bottega dell’Arte di Gravellona Toce, continua a insegnare disegno e pittura ai corsi UNI3 del Comune di Omegna, proseguendo l’attività del maestro Gilberto Carpo, che ne è stato titolare per una quarantina d’anni, prima di decidere di ritirarsi dall’insegnamento.
scientifica, e assecondando un'innata passione per il disegno accompagnata da doti artistico-creative, mi sono laureata in architettura al Politecnico di Milano. Vivo da sempre a Omegna (VB), dove mi sono sposata, ho un figlio, ed esercito la professione di architetto libero professionista. Nel 1997 ho pubblicato il libro “Ambiente e sistema edilizio negli insediamenti walser di Alagna Valsesia, Macugnaga e Formazza” (Quaderni di cultura alpina - n. 55 - Priuli & Verlucca editori, Ivrea), riccamente corredato da disegni e rilievi eseguiti a china. Nel 2001 ho compiuto un viaggio di studio e ricerca nella porzione svedese dell’artico europeo, finalizzato alla redazione di documentazione fotografica e tavole grafiche a corredo del libro “La casa saami. Antropologia dello spazio domestico in Lapponia” (G. Ligi, Il Segnalibro Editore, Torino – 2003)>>.
<<A partire dal 2014, quando Gilberto Carpo, si è ritirato dall’insegnamento, nella conduzione della scuola di pittura. Sia nei corsi che tengo a Omegna, sia in quelli di Gravellona, faccio sempre riferimento al grande insegnamento ricevuto dal mio caro maestro. Le sue lezioni erano davvero uniche: oltre a nozioni tecniche, ci rendeva partecipi di quello che è stato (ed è tutt’ora) il suo vissuto, rapportandolo sempre con le esperienze artistiche, attraverso interessanti aneddoti e narrazioni. Ora tutto ciò il grande maestro lo ha raccolto e inserito in un’autobiografia che sarà pubblicata in primavera, dalle Edizioni Mnàmon di Milano. Ne aveva di cose da raccontare: eventi d’arte, incontri con artisti e critici, nozioni pittoriche, avventure varie e disavventure esistenziali. Tutti ricordi che noi allievi già conosciamo, ma che ora saranno messe a disposizione del pubblico, degli amici, dei conoscenti, ma soprattutto dei molti collezionisti>>.
coordinatrice dell’iniziativa “Studi d’arte in vetrina”, per la valorizzazione e rivitalizzazione del centro storico di Omegna. Spontaneamente e in modo del tutto naturale, di fronte ad alcuni negozi vuoti, abbandonati a causa della crisi economica, è nata l’idea di usufruire di tali spazi per esporre opere e studi d’arte, ridando dignità a quella visione decadente. Le opere esposte sono state sostituite periodicamente fino all’anno 2016, rimanendo sempre in tema con gli eventi svoltisi nella cittadina, con il proposito di dare un esempio concreto di come l’arte possa diventare partecipe degli eventi civici, in modo da creare quella tanto auspicata interazione tra popolazione, cultura e turismo. L’arte è così andata incontro alle persone, trasformando il centro in uno spazio espositivo permanente e diffuso. Nell’anno 2016 sono stata chiamata a insegnare disegno anche ai corsi organizzati dalla Pro Loco di Gravellona Toce, e nel 2017 mi venne affidato anche il corso di pittura a olio>>.
<<Certo, ho compreso immediatamente l’esigenza di un punto di riferimento costante. Arte e Artigianato, discipline da scoprire o riscoprire nell’epoca in cui si è dominati dalla tecnologia: manualità, creatività, tradizione ma anche innovazione e sperimentazione. Chiunque si cimenti con qualsiasi disciplina artistica è spinto da un "bisogno interiore" inarrestabile, non confinabile in alcun limite temporale. Creatività e capacità di espressione costituiscono infatti per ogni individuo una fonte di benessere interiore e di crescita. Per questo motivo ho ritenuto necessario creare un luogo che costituisca un punto di riferimento costante per chiunque voglia esercitare la propria creatività e migliorare la propria formazione artistica e personale>>. 
<<La Bottega dell’Arte si propone proprio e soprattutto - oltre ai corsi creativi, tenuti da insegnanti esperti, workshops, mostre, esposizioni - quale luogo in cui si mette in opera la riscoperta di tecniche antiche utilizzate dai più grandi artisti del passato, come il disegno a punta d’argento e quello a punta di piombo, in uso prima dell’invenzione delle matite o della grafite, nonché le diverse tecniche per la realizzazione degli inchiostri naturali. E tanto altro ancora, insomma tutto ciò che può soddisfare e accrescere ogni interesse in campo artistico>>.
Tutti i calendari, di alta qualità e professionalità, di Pessina, in cui si può notare le molte aziende del Piemonte e non solo che li hanno scelti per comunicare con i propri clienti, raccolgono ambienti, arte e tradizioni, le nostre bellezze ed eccellenze: i laghi con le loro isole, le zone novaresi, le vallate ossolane, le manifestazioni e i prodotti della zona. Cinquant’anni di storia locale, ma anche di vita artistica di Pessina, che attraverso un archivio immenso di scatti, a partire dagli anni Sessanta, è ormai una “memoria storica” della provincia, per tutti quei giovani che ancora non erano nati in quel periodo e soprattutto per le future generazioni.
Tra i calendari di Carlo Pessina, appesi in questo 2020 nelle molte case e uffici di aziende ed enti, voglio accennare a due in particolare: quello della ditta di trasporti Comazzi, presente sul territorio delle province del VCO e di Novara, e quello della Domo Graniti, una società domese specializzata nell’estrazione e commercializzazione di blocchi e lastre di serizzo. 
tradizioni, che ben s’intonano con i mesi e le stagioni. Inoltre, rendono un buon servizio pubblicitario per le loro aziende impegnate produttivamente nel territorio e danno la misura artistica dei lavori di Pessina, che una cinquantina di anni fa, fu il primo a dare alle stampe calendari inneggianti alle bellezze panoramiche dell’Ossola, quando nelle nostre valli giungevano solo quelli raffiguranti grandi città. L’autore ricorda che i primi tempi la Banca Popolare di Novara stampava 220.000 di questi suoi lavori, che erano diffusi in tutta Italia, con immagini del Monte Rosa, della Cascate del Toce, del Castello di Vogogna, della piazza Mercato di Domodossola o dell’Alpe Veglia, del Devero, del Sempione e di tante altre località caratteristiche ossolane.
Scorcio di città ideale di G. Bonzani
Scorcio di città ideale di G. Bonzani
cominciare con un’asserzione che ripeto sempre come un mantra: l’arte è di tutti! Conseguenza ne è che per me non esistono target. Ho avuto il privilegio e la fortuna di essere stato già da giovane il critico di riferimento di artisti affermati di gran lunga più anziani di me, i quali nel critico giovane vendevano il perpetuarsi del loro lascito creativo, dopo la loro dipartita terrena. Oggi che ho maturato qualche anno di esperienza professionale, mi piace aiutare anche i giovani artisti a muovere i loro primi passi propositivi in un mondo sempre più difficile, complesso e disorientante. La stessa cosa riguarda collezionisti, galleristi e critici. Ho intrapreso e intrattengo collaborazioni con gallerie operanti da poco, ma guidate da persone appassionate, rette e competenti, così come con i musei; mi giovo dell’aiuto di giovani colleghi alla stessa maniera di quello offerto da critici più anziani, i quali mi onorano con la loro stima>>.
case editrici, assumendone la vicedirezione dei periodici e la direzione delle collane editoriali. Più volte in commissioni di giuria all’interno di concorsi artistici, di premi letterari e manifestazioni culturali, ha presentato per la Regione Piemonte svariate rassegne, portando all’attenzione del pubblico artisti e scrittori operanti nel presente. Dal 2015 è Presidente di Orizzonti Contemporanei e Direttore di Alhena Editore. È stato il fondatore dei Premi “Vette d’Arte” e “Cime Letterarie” che dal 2017 si tengono a Sestriere con cadenza annuale. Si occupa di critica d’arte e letteraria da più di vent’anni.
Rivolgendomi a te lettore: non fare dell'opera in versi una semplice lettura, ma fanne una scoperta di una nuova realtà. Per l'immenso bagaglio culturale che conserva l'opera di Iacopino, conquistala a mano a mano che leggi. Tutto quello che si apprende in un suo libro è la sua arte, il profumo cioè che ti conquista anche se proveniente da una grigia o rosea nuvola. 
cultura per i suoi saggi su artisti, come Piero Guccione, a cui organizzò un’importante antologica nel 1986 con la presenza di Leonardo Sciascia o come Anton Zoran Music che gli fu amico. Nel suo primo libro, “Lasciami almeno un sogno”, ha raccolto quanto di più significativo ha scritto negli anni, con quella sua prosa stilisticamente forbita, carica di umanità. Per questo volume, pubblicato da Armando Curcio Editore, l’autore, in occasione del Gran Galà del “Premio letterario internazionale Milano International 2018”, ha ricevuto il prestigioso “Premio della Giuria. Altri importanti riconoscimenti gli sono stati assegnati negli anni, gli ultimi: Giacomo Leopardi e il diploma Honoris causa di Critico Letterario e di Arti Visive. 
vicissitudini della piccola vallata in cui vive
l’autore, il quale attraverso la scrittura ne ha descritto l’aspetto più
autentico. Ecco allora storie simpatiche, come quelle degli “Arretrati” (in cui
ha modo di sbeffeggiare i propri colleghi, magari dai nomi sonanti), o di “Un
procuratore per nemico” o de “L’ospitalità selettiva” e via via fino all’ultimo
capitolo quello dei “Compagni di merenda”. Si ha così un florilegio di
avvincenti testimonianze del passato, messe in risalto da un mondo a cultura
orale; vicende che devono essere scritte se si vuole lasciarne testimonianza.
Lo scopo di questa intervista è di dare
non solo un’informazione sulla vita dello scrittore e pittore Alessandro
Chiello, ma pure quello di scoprire le segrete strade della sua creatività in
campo letterario e artistico. Egli vive il suo tempo, che è anche nostro, coinvolto
e immerso nei propri problemi e pensieri, nelle proprie gioie e tensioni, oltre
che negli avvenimenti sociali, come tutti noi. È questa, quindi, una
“passeggiata” nei meandri della sua esistenza di uomo e intellettuale, dedito
con grande passione a un lavoro considerevole e originale.
ogni sorta di animali rurali, ma già dall’infanzia, ancora prima di frequentare le elementari, mi piaceva scarabocchiare con matite e pastelli. Certo, forse, quelle sue espressioni hanno preso consistenza nel mio immaginario, ma mia mamma faceva pulizia nella casa della famiglia Bona e mi portava sempre con sé. Alle pareti c’erano tanti quadri dei grandi pittori vigezzini e io restavo estasiato a guardarli. Probabilmente è da lì che ho cominciato a mettere insieme i colori, nel tentativo di imitarli. Ho poi saputo, in età adulta, che si trattava di tele del Fornara, del Ciolina, dei Giorgis, del Rastellini, del Peretti e di tanti altri>>.
dell’ambiente che lo circonda e degli alpeggi che lo hanno visto pascolare e accudire le mucche da ragazzo. Nell’osservare - in questo filmato - l’artista di Toceno mentre scava o incide, sulle superfici delle sue opere, segni particolari, vortici misteriosi e impenetrabili, quasi filiformi riverberi di sfoghi nervosi, misti a un’eccitazione creativa per l’incredibile tensione emotiva che producono, mi viene spontaneo chiedergli cosa essi significhino per lui. Mi guarda sorpreso, poi precisa: <<Non so darti una spiegazione razionale; forse sono misteriosi tratti incisivi, vaghe forme geometriche, che vedevo in vecchie baite. Non so dirti se hanno un qualche consistente o impenetrabile motivo: io li ho presi quali segni di presenza, valori umani remoti, che probabilmente sento dentro di me simili a intense ferite interiori>>. Come se l’autore fosse preso da un’ansia, da una volontà di difesa, dalla commozione di chi è tutto intento a scandagliare un proprio patrimonio intimo, nutrito di ricordi e di sentimenti, in cui ritrovare la più profonda ragione di sé e della propria esistenza.
nell’esposizione, dai colori ombrosi, freddi o caldi, spesso dolorosi; molte venute alla luce durante il “codiv 19”, come lui stesso conclude: <<Durante il periodo di solitudine dovuto al “coronavirus”, ho avuto l’opportunità di lavorare molto, di sperimentare, però, sfruttando e utilizzando solo quello che avevo in studio, in quanto impossibilitato, a causa delle prescrizioni imposte, ad allontanarmi dal paese per fare acquisti. Ho avuto modo anche di riflettere sulle cose essenziali della vita: per mangiare bisogna coltivare la terra. Mi sono concentrato pure sull’acqua, sul fuoco; su spiritualità contrapposte tra l’angelo e il diavolo, tra il bene e il male; sulla conoscenza della materia con la sua sorda, confusa e contraddittoria vitalità>>.
Con la personale di Giancarlo Fantini, i quadri di Patrizia Pollato, alcune sculture di Paolo Panizzon, gli acquerelli di Paola Battaglia, i lavori in legno di Matteo Lunghi e le poesie appese di Moka (Monica Zanon)
sguardo subliminale. Ma come opera l’artista? È lui stesso a spiegarcelo: <<Generalmente, oltre ai materiali tradizionali, ne utilizzo altri, come sabbia, segature, argille, tessuti, metalli, che spesso prelevo sul luogo soggetto dell’opera, con lo scopo di rendere più consistenti i volumi e le prospettive, sempre nel rispetto dell’ambiente in cui è stata scattata la foto a partire dalla quale, quasi sempre, realizzo il mio lavoro>>. Le sue armoniche ricerche vanno dai boschi alla montagna, dagli ambienti magici, ai fenomeni atmosferici (come per esempio i temporali o particolari e affascinanti tramonti), dalle onde imperiose del mare o quelle più distese del lago; all’acqua in generale, quale elemento primordiale e prezioso, che egli rappresenta in modo raffinato, in particolare, nei riflessi, nelle innumerevoli sfumature coloristiche presenti nelle trasparenze e nei riverberi. S’intravede, insomma, nella pittura di Giancarlo Fantini, il continuo cammino che egli intraprende nell’essenza della flora e della fauna che gli sta intorno, nella bellezza di un ambiente da rispettare e conservare per le future generazioni.
<<Se qualcuno mi ha definito pittore-giardiniere un qualche motivo ci deve pur essere: il mio amore per le piante è infatti pari a quello per i colori. Perciò è dalla natura che prendo spunto: di fatto, soprattutto ora che col telefono puoi scattare infinite immagini, quando vedo qualcosa che mi “attizza” faccio un po’ di foto che successivamente, magari anche a distanza di anni, elaboro e traduco in colori sulla tela. Da Professore di piante non mi sono mai limitato a guardare il verde, ma ad analizzare, da lontano e da vicino i particolari che rendono ogni specie o, meglio, ogni individuo, differente dagli altri suoi simili o di diversa specie: ciò significa conoscere le strutture, cioè le regole che costruiscono i corpi vegetali e regolano la loro esistenza. Ecco allora che anche nel dipingere la natura ho imparato un po’ di regole, disegnando il minimo indispensabile, ma cercando di accostare con sapienza e pazienza colori e altri materiali>>.
Precedentemente avevo già deciso se usare solo i colori a olio oppure anche altri materiali che prelevo dalla mia collezione di terre, sabbie, segature (e altro). In conseguenza di queste scelte, finalizzate ad aumentare spessori e profondità e/o a mettere nella tela una porzione di materiale prelevato nel luogo raffigurato, dipingo con modalità ben diverse e non consuete: i diversi tempi di asciugatura e il rischio di “contatti” indesiderati mi costringono ad aumentare la pazienza e a dipingere contemporaneamente le porzioni di tela coperte dallo stesso materiale. Alla fine, quando tutto è ben asciutto, metto la vernice finale fissativa in quantità variabile, secondo il materiale e, soprattutto, il suo spessore>>.
cui sperimenta e affina varie tecniche artistico-artigianali, utilizzando diversi materiali. Si dedica così alla realizzazione di complemento d’arredo su commissione, trompe d’oeil in abitazioni prestigiose, vetrate artistiche, sculture, quadri e affreschi. Dal 1994 vive e opera a Nebbiuno, proseguendo la propria attività creativa e insegnando discipline artistiche. La pittrice continua a coltivare la sua passione per la pittura, dipingendo ritratti, paesaggi, nature morte, dedicandosi pure alla produzione di tante opere figurative (non disdegnando un astratto informale dentro cui appaiono forme, segni e simboli iconici). Ha ricevuto importanti riconoscimenti (tra gli altri alcuni primi premi: Trofeo Gaudenziano 2016; La via degli Artisti 2017; Arte ad Arona 2017; Arte Città di Novare 2018); ha partecipato a diverse esposizioni collettive e a manifestazioni culturali; ma, soprattutto, ha allestito alcune importanti personali, ottenendo consensi dal pubblico e dalla critica (Arona, Milano, Novara, Vercelli, Torino). Ha il suo laboratorio artistico in via case sparse per Meina, 2 Nebbiuno (No) cell.3382136495.
<<Fin da piccolissima ho amato impiegare il mio tempo in varie forme di manualità creativa. Ancora studente, ho aperto in Milano un’attività artigianale (tutt’ora apprezzata per l’originalità delle realizzazioni). Ideavo e realizzavo articoli da regalo, complementi d’arredo e molto altro. Esaudivo, comunque, ad ogni richiesta, dando vita a oggetti unici e personalizzati. Questa attività mi ha permesso di maturare una notevole esperienza creativa e di affinare ottime capacità tecnico-artistiche. La mia curiosità mi ha spinto nel tempo a sperimentare tantissime tecniche di decorazione: dalla ceramica al tessuto e seta, dalle vetrate artistiche ai trompe l’oeil, dalla lavorazione e intaglio del legno all’incisione, dalla grafica all’illustrazione… Ho tenuto e tengo tutt’ora diversi corsi a carattere artistico>>.
Lombardo. Proviene da una famiglia in cui l’arte è stata una presenza forte. Dipinge da sempre, solo negli ultimi anni si è dedicato alla scultura. Non usa modelli e non decide a priori quale sarà il soggetto della sua prossima opera, lascia che sia la creta a prendere forma tramite la trasposizione della sua interiorità. Questo metodo gli permette di realizzare figure, oggetti e soprattutto volti, da cui spesso emerge un’interiorità angosciante. Di se stesso afferma: <<Il mio essere artista non ha nessuna pretesa, ma mi piace dipingere, modellare, spaziare tra i materiali e le linee; mi piace vedere prendere forma un’idea, creare un’emozione; mi piace la soddisfazione che mi dà questa mia passione. Questo sono io>>.
Arona, è indigena di Solcio di Lesa. E’ cresciuta nell’azienda agricola dei genitori, ama il paesaggio lacustre tanto che il suo carattere si riflette in esso (il Lago Maggiore è la chiave di lettura dei suoi umori): ogni giorno è diverso dall’altro. Da adolescente si approccia alla poesia e trova in essa il proprio modo di comunicare con gli altri. Per lei la poesia è in ogni cosa ed è necessaria per comprendere se stessa e il mondo. Vita e poesia per lei sono inscindibili. Moka lavora in una ditta aeronautica, gli elicotteri sono la sua seconda passione. Ha dato alle stampe alcuni libri di liriche e ha altre pubblicazioni all’attivo, sia personali che collettive. Nel 2014 ha fondato l’Associazione Licenza Poetica. Crea e collabora all’organizzazione di eventi letterari, cura il sito personale 
è stata un funzionario dell’Agenzia delle Entrate, fino alla pensione. Già dall’infanzia, attratta dal disegno e dal colore in tutte le sue forme, ne ha sperimentate alcune, cercando di soddisfare sempre più la sua curiosità artistica e come afferma lei: <<mi sono così permessa quel piacere che ogni esperienza concede, lasciando la sua impronta>>. Ha frequentato i corsi dell’UNITRE di Arona, cominciando con quello di pittura su stoffa, poi su porcellana e ancora con la pittura a olio, acquerello, acrilico, disegno a matita e aggiunge: <<Non ho particolare predisposizione per l’una o per l’altra, scelgo al momento ciò che l’attimo mi offre agli occhi e al cuore: luce, colori, armonia, anima, ricordi>>. In passato aveva anche seguito lezioni coi maestri Carlo Monti e Pierangelo Vicario.
MATTEO LUNGHI
di Mutuo Soccorso) di vicolo al Teatro di Domodossola, Gian Luca Pavesi esporrà le sue nuove opere: “Quindici x Trenta”. La mostra, visitabile fino al 13 settembre (orario: 16,30-21,30; sabato e domenica anche 10-12,30), sarà presentata dall’antropologo e critico d’arte Luca Ciurleo. Pubblichiamo qui di seguito i testi di Luca Ciurleo e Giuseppe Possa che accompagnano il catalogo dato alle stampe per l’occasione da Edizioni Landexplorer di Samuel Piana (Progetto grafico di Barbara Bisca - Stampato presso Mascotte, Domodossola).
Gian Luca Pavesi ha intrapreso proprio questo percorso e la mostra 15x30 (che non fa riferimento ai formati naturalmente quanto alle 30 opere rappresentative di 15 anni di evoluzione pittorica) allestita presso la Soms di Domodossola ne è la prova. Il pittore, alla soglia dei 50 anni, ha deciso di mettere in mostra il suo percorso artistico, la sua evoluzione, che lo pone in un solco completamente diverso da quello tracciato dal padre, con cui si è avvicinato alla pittura. Iniziamo da quello che li accomuna: il medium espressivo. Ambedue utilizzano prevalentemente l’olio su tela, ma la resa formale è completamente diversa, soprattutto negli ultimi dipinti in cui Gian Luca ha iniziato ad esprimersi attraverso il cosiddetto “spatolato”, una disposizione dei colori molto materica e dai contorni netti, nel solco dell’espressionismo. La sua pittura inizia in maniera naturalistica. Come scrive il critico d’arte Giuseppe Possa: «Gian Luca cerca una pausa e una rigenerazione proprio nell’incontro di laghi, alpeggi, brughiere, fiumi, prati in fiore. E un discorso a parte meritano i fiori, soprattutto quelli recisi in “nature silenti”, trasfigurati dall’emozione e dall’incanto creativo. Da essi sprigiona sempre una luce spontanea, brillante e una sensazione diffusa di movimento, proiezione della forza interiore del pittore e preziosa fonte di energie cromatiche per i riguardanti».
È questa la nuova poetica dove, personalmente, credo che Gian Luca stia dando i frutti migliori. Attraverso una ricerca stilistica che lo ha portato da un lato ad evidenziare i contorni, a creare movimento tramite linee che seguono esternamente la figura, che ne evidenziano l’essenza, che, in una sorta di neofuturismo postmoderno (non vi si scorge fiducia innata nel progresso, quanto piuttosto una solitudine degli individui, evidenziata dai colori tenui), ne amplificano il movimento. Penso ad esempio al chitarrista, uno dei suoi primi lavori in questo stile: la mano, poco delineata, scorre veloce tra le corde, la musica vibra attraverso la tela (che stia suonando il tango che i due ballerini stanno animatamente ballando? O accenna le note del flamenco su cui si esibirà la donna che si sistema i capelli prima di entrare in scena?) …
Nato a Domodossola nel 1970, Gian Luca ha frequentato scuole tecniche e lavora presso un importante stabilimento, ma il tempo libero che si ritaglia dopo gli impegni familiari (è sposato e ha due figli) lo dedica, da autodidatta, alla pittura all’aria aperta o nel suo studio a Seppiana, in Val d’Ossola, dove vive. 
In sintesi è questo che si prova contemplando i suoi quadri: essi, infatti, ci trasmettono quel senso di pace, di quiete, negli aspetti più rasserenanti, a cui ognuno di noi aspira. 